Bailando con los Pájaros.

Ficha Técnica.
Titulo Original: Dancing with the Birds.
Año: 2019.
Duración: 51 min.
País: Reino Unido Reino Unido
Dirección: Huw Cordey.
Guión: Huw Cordey.
Música: David Mitcham.
Fotografía: Matthew Aeberhard, James Aldred, Tim Laman, Mohan Sandhu, Paul Stewart, Sam Stewart.
Reparto: Documentary, Stephen Fry
Productora: Silverback Films. Distribuida por Netflix. Productor: Alastair Fothergill
Género : Mediometraje. Documental | Documental científico. Animales. Aves/Pájaros. Documentales sobre ciencia y naturaleza. Documentales de naturaleza y ecología.
Web oficial: https://www.netflix.com/title/80186796

Sinopsis.
Las plumas se erizan, la danza comienza: las majestuosas aves del paraíso sacan a relucir sus mejores atributos para conseguir pareja. (Netflix)
Película documental sobre el mundo de las aves. Aves pavoneándose, danzas vistosas, exhibición de plumajes de todos los colores... Bailando con los pájaros muestra los rituales de apareamiento de las aves más espectaculares. (FilmAffinity)

Trailer original

Trailer en español

Documental sobre aves estrenado en octubre del corriente año, indicado para mayores de 7 años, distribuido por Netflix, aunque también se lo puede ver por algunas webs. Lo he visto, y tengo opiniones a favor y algunas contras. Pero vale la pena verlo. Un poco para aprender, un poco para disfrutar. No es muy extenso, son 51 minutos, poco menos que una hora, y la verdad no me hubiese molestado si lo hacían más extenso, pongamos dos horas. Sé que lo han doblado al español, pero preferí verlo en inglés y subtitulado. El relato esta contado como si fuera un cuento. En tono optimista, afectivo y simpático. Es un poco denso, y muy lento, salvo para gente que elabora los conceptos con cierto delay. La fotografía y el paisaje son impresionantes, los colores vivos y los primeros planos de las aves están muy bien logrado, debe ser de lo mejor que tiene el documental. Está contado por episodios y a cada ave le agregan un adjetivo (El balanceador, Los artistas, La hermandad, El mejor artista). En lugar de dejar el sonido ambiente natural, le agregan música instrumental, esto no me gustó, supongo que habrá parecido divertido, a mí me pareció irrelevante, prefiero el material en crudo, si hay viento o truenos, o nada, lo prefiero a esa música agregada, que hasta lo vuelve algo infantil, quizás apreciar la danza de los pájaros en vivo, resulte algo aburrido, a mí me sucede lo contrario, es lo que más disfruto, y es lo que hubiese esperado en un documental de este tipo. Pero este aspecto que yo veo como infantil/entretenido, ya tiene su comienzo en la portada del film. Tal vez, sea un atrapante para los más jóvenes, o los más chicos, y si así resulta, bienvenido sea.

Las especies que tratan son Ave del paraíso pico corvo negro, Ave del paraíso filamentosa, Pergolero Áureo, Pergolero de McGregor, Gallito de roca guayanés, Saltarín lanceolado y Ave del paraíso de Carola. Y además se menciona muy al pasar, como si fueran personajes de relleno al Estornino lustroso y el Azor de Doria, también pasa una pequeña ave rapaz pero no se menciona su especie. La mayor parte se filma en Nueva Guinea y un par en las Junglas de Centro y Sudamérica.

Saltarín lanceolado con patas anilladas.

Algo que llama la atención es Saltarín lanceolado en el bosque, es que tienen anillados en sus patas ¿patas anilladas? ¿con doble anillo? ¿vida silvestre? Eso es lo que hacen muchos biólogos (y otros) con el pretexto de estudiar a los animales, deciden intervenir colocándoles seguidores, medidores, numeradores, chips, etc... ¿qué ave le pidió eso? ¿a qué ave le gusta?, no se me escapa que son preguntas simples y que para esto hay cantidad de papers y escritos donde se justifica la intervención a los animales con fines bondadosos para con ellos, y agregan los biólogos, naturalistas y otros, que no afecta en lo más mínimo al animal, sin embargo ellos no andan meses ni años con un collar o una pulsera en la pierna colocada por un desconocido. Son los mismos que luego te dicen que hay que cuidar la naturaleza, que no hay que maltratar a los animales, que el imperialismo del siglo XVIII y XIX avanzó depredando la naturaleza, y bla bla bla y luego son ellos que “para estudiar” intervienen a los animales. Claro que de estos pájaros anillados, los productores del documental no tienen ninguna responsabilidad, han pedido permiso, supongo que habrán estado orientados por un conocedor de aves y algún guía en lo que ellos llamaron jungla y bosque, debe de haberse tratado de algún parque nacional o reserva de algún tipo, y allí filmaron, no está claro donde, eso no lo dicen, y no leí los créditos como para ver si especificaban, pero podrían haberlo intentado, de buscar unos que sean completamente silvestres no intervenidos por los humanos.

En algunos comentarios sobre el documental, a muchos les pareció divertido, pero es un humor muy sutil, correcto, pero no para lanzar carcajadas (en mi caso).
El pájaro que imita frente al peligro me pareció sensacional, hasta podrían un documental independiente con este tipo de pájaros y dicha aptitud.
Quienes leemos el subtitulado nos perdemos algunas cuestiones propias del idioma, por ejemplo el narrador británico ofrece observaciones cómicas y concisas, por momentos utiliza una entonación de ironía mezclada con admiración, al leer el subtitulado nos la perdemos.
Para algunos comentaristas es un documental para ver en familia, sobre todo si hay hijos más pequeños, y disparar algunas preguntas como para generar alguna reflexión, una de estas preguntas que me pareció interesante es ¿Alguno de los comportamientos de las aves te recuerda los comportamientos humanos? sobre todo por ese camino que va por hábitos extravagantes, esfuerzos exigentes, exhibición y comportamiento, ostentación, el alardeo, etc...
Si bien parece todo un cuento muy lindo con música y baila, la naturaleza es muy distinta, las aves no son ajena a esto, y en parte aparece, tal vez con las aves que atacan a otras especies, o bien en aquella que construye la torre, y cuando deja la torre sola, aparece otro pájaro de la misma especie y se la comienza a destruir, ¿podríamos hablar de competencia desleal, envidia, maldad, lucha por la supervivencia, selección natural, etc…? En fin, es un documental que vale la pena verlo y luego reflexionar, sobre todo a quienes nos gusta observar aves.

Ficha en IMDB y FilmAffinity
https://www.imdb.com/title/tt11101698/
https://www.filmaffinity.com/es/film640890.html

El Hombre del Traje Blanco.

El Hombre Del Traje Blanco - 1951 - Alexander Mackendrick

El Hombre del Traje Blanco, es una película inglesa del año 1951, dirigida por Alexander Mackendrick. Realizada en blanco y negro, está catalogada como comedia de ciencia ficción. Lo de ciencia ficción viene a causa del traje, el traje imposible de existir en ese tiempo (incluso hoy día), pero hasta allí llega la ciencia ficción del film y no más que eso. Luego la comedia, si bien es una comedia, es inglesa, es humor inglés, muy pocas partes son para reír a carcajadas, más bien se lleva sonrisas irónicas, o inteligentes o ligeras. Algunos pasajes ni siquiera llegan a causar gracia y uno los pasa por alto. Sintéticamente, un empleado que no ocupa el puesto que merece por su título universitario, inventa un traje que no se arruina, no se mancha, brilla de noche, y funciona como aislante, cualidades que ningún otro traje tiene. Esta situación incomoda a los dueños de las empresas textiles y los obreros también, porque la existencia de este tipo de traje único pone en peligro la existencia de su negocio. Así que mientras el creador quiere patentar y explotar su creación, se encuentra con la oposición todos a su alrededor que no quieren permitirlo. Así se desarrolla la trama. Esta idea innovadora el valió una Nominación a los Premios Oscar en 1952 al Mejor Guión. Y en 1951 fue Nominada a los Premios BAFTA como Mejor Película y Mejor Film Británico.

En el trasfondo de la película está la relación ciencia y sociedad, las repercusiones que se producción en la sociedad por causa de los avances tecnológicos. Y esto se puede aplicar con mucha fuerza hoy día, por ejemplo, con el tema de la informática o de la genética. El guion no pierde fuerza a pesar de haber transcurridos más de cincuenta años desde su producción.
Lo de traje blanco viene a cuanta que el traje que inventa es color blanco, y tiene sentido porque brilla en la oscuridad, imagino que es lo que lo hace interesante y contrastante. Amén que también podría estar relacionado con el tema textil, es muy común relacionar lo textil con lo blanco, sobre todo por el algodón.
La cuestión de la industria textil, tampoco creo que sea azarosa, se trata de una película inglesa, y hay que recordar que la Revolución Industrial comenzó en Inglaterra y ni más ni menos que con la Industria Textil, tampoco se trata de hacer un estudio histórico y la situaciones del campesinado y todo lo demás que se puede encontrar en los libros de historia, pero sí mencionar la relación con la industrialización textil, los tejidos y los hilados, que dan el gran salto con la invención de la lanzadera volante.
Pero la película no se queda con eso nada más, sino que muestra diferentes estamentos sociales por llamarlos de alguna manera, desde los dueños y propietarios de las máquinas y las fábricas, la idea del manejo de la industria en el mercado, hasta los obreros y la organización sindical, por supuesto que bastante superficial, muy por encima, y en tono cómico, pero no deja de mostrar esos aspectos. Y en el medio de todo esto un lucha de intereses de cada una de las partes. Incluso se da a entender la importancia de los medios de comunicación, toda vez que el creador de la prenda pretende acceder a ellos.
En la película vemos casi toda la caracterización de lo que representó la Revolución Industrial, fábricas, humo, producción en masa, trenes, obreros, operarios, propietarios, ricos, pobres, conocimiento, química, máquinas, innovación, conflicto, problemas, etc…

El personaje principal está interpretado por el reconocido actor cómico británico Alec Guinnes. 
Si bien, casi ni aparece en los créditos, en las muchas reseñas del film, que se encuentran en la web, un personaje secundario es Berta, interpretada por Vida Hope, una actriz británica, que en la base de datos fílmicos IMDB, como curiosidad, caracterizan sus papeles, a menudo como de proletaria alegre. Efectivamente, en esta película El Hombre del Traje Blanco, me pareció muy bueno su papel, bien logrado, hace de operaria en una fábrica textil, al mismo tiempo con injerencias en el sindicato, algo rebelde en reclamar por los intereses de los obreros, pero además representa la figura femenina en el trabajo fabril, y hay que tener en cuenta que solo seis años antes había finalizado la Segunda Guerra Mundial, y las industrias, habían requerido el trabajo de mujeres, y la mayor mezcla de hombres y mujeres en cuanto a trabajo en igualdad de condiciones (o al menos, acercarse a una igualdad) que se dio hasta que finalizó la guerra, se dio en las fábricas.

La película presenta muchos gag, y deja varias interpretaciones, creo yo, buscadas adrede, que hay que dan para leerlas de distintas maneras, solo como algo divertido o como algo que pretende dejar un mensaje. Por ejemplo, el hecho de que el traje sea blanco y brille, en la noche se presenta el contraste y rodeado de oscuridad “lo único” que brilla es él, el genio despistado. Otro caso, es cuando siendo perseguido queda encerrado en una habitación, y toma dos pedazos de madera de no se qué, lo que encontró al paso, por ejemplo una silla rota, y los utiliza a modo de escudo y de espada “para defenderse”, pero al mismo tiempo presenta la “improvisación” y también se presenta, a pesar de los infortunios, como un “caballero” que continúa luchando por su creación. Y así muchos más gags, un anciano en el rol de jefe de los empresarios al que todos acudían cuando se suscitaba un problema grave, una niña que con su ingenuidad ayuda al inventor y desvía a los perseguidores, un inquilino encerrado en su propia habitación, una serie de explosiones en la búsqueda de la mejor textil (uno podría ver las explosiones en el primer guerra mundial, las trincheras, los avances en las armas químicas), y muchas más, el director introduce críticas en muchos pasajes.
Presenta una conclusión armonizadoras entre los sujetos característicos donde siempre (o casi) se generan los conflictos en detrimento de la tecnología, algo así como ver la cuestión humana, ocupen el rol que ocupen, por encima de los avances técnicos por más buenos que fueren.
Una película interesante para ver.


Links a la ficha de la película en los sitios IMDB y FilmAffinity
http://www.imdb.com/title/tt0044876/
http://www.filmaffinity.com/es/film859166.html

Mercenarios Sin Gloria.

Mercenarios Sin Gloria - 1968 - André De Toth

Mercenarios Sin Gloria es una película del año 1968 dirigida por André De Toth.

El título original es Play Dirty, una película inglesa, de drama, aventura y bélica, ambientada en la Segunda Guerra Mundial.

Se filmó en España e Inglaterra y se logró recrear muy bien el desierto del Norte de África. Fue la última película de este director estadounidense de origen húngaro.

Comienza con una conocida canción alemana llamada Lili Marlen. El tema de las canciones es reiterativo dado que cada vez que sintonizan alguna radio (generalmente italiana o alemana) se escucha una canción.
La trama gira en torno a un grupo comando que se infiltra en territorio bajo control alemán para hacer explotar unos tanques con combustible.

Todo se sitúa en el Norte de África.

Ahora, la cuestión se da en que el grupo comando está al mando formal de una ingeniero inglés, el capitán Douglas (Michael Caine), y le mando real a cabo de un delincuente que trabaja para los ingleses, el capitán Leech (Nigel Davenport), el grupo lo conforman algunos otros delincuentes, todos mercenarios que combaten para el ejército británico a cambio de dinero. El capitán inglés es más racional y medido, el capitán mercenario es más salvaje y rudo. Esta tensión prevalece sobre todo el film.

Según leí, la idea del grupo está inspirada en una unidad terrestre británica que realmente existió y se llamó Long Range Desert Group cuyo emblema era un escorpión. En la película aparece la representación del escorpión rodeado de fuego queriendo escapar bajo la mirada de todos los presentes. Aunque en la realidad la tarea de esta unidad era infiltrarse en territorio enemigo pero con la finalidad de reconocimiento.

La película posee pasajes visuales sin diálogos, en general los diálogos son muy pobres, más bien clásicos y hasta rudimentarios. Los largos períodos sin comunicación alguna es para darle énfasis a lo visual, el paisaje o la acción que está transcurriendo generando la sensación de dificultad por la que se está atravesando. Simples hechos que hay que vivirlos, y si bien en otras películas se los pasa por alto, en esta se pone el acento. Por momentos se vuelve algo lenta.

La idea general gira en torno a que todo es criminal en la guerra (y no me parece nada equivocado) y de esta manera de muestra las acciones criminales del grupo de mercenarios y como progresivamente se va corrompiendo y/o embruteciendo el personaje que sería el más racional de todo el grupo.

Al mismo tiempo se muestra la corrupción en los mandos superiores, que dan las órdenes pero no participan de los hechos, participan de mentiras. Y también está presente la traición. En líneas generales, si uno quiere encontrar algo bueno, alguna actitud buena o loable, en esta película no lo va a encontrar. Es una película con una mirada crítica contra los mandos y las jerarquías.

La película va dejando una cadena de desencantos, y no para hasta el hasta el final. Si se quiere, se la puede ver como una película provocativa, y eso debido a varias situaciones que se presentan en la misma.

El final se lo puede leer como presentando una idea antibelicista.


Algo que me llamó la atención y desconozco es el tema de los jeep y camiones, en este caso, todos italianos (y/o alemanes) que llevaban a sus costados una planchas metálicas repletas de agujeros que formaban una especie de red metálica, ¿cuál era su uso? ¿realmente eran así? ¿las utilizaban para cruzar baches en el terreno? En un momento, cuando suben el jeep, pareciera que esa era su función al final del barranco, pero no estoy seguro que así sea. No se trataba de planchas de blindaje clásicas, ya que estas estaban toda agujereadas.

Operación Crossbow.

Operación Crossbow - 1965 - Michael Anderson

Operación Crossbow es una película del Reino Unido, bélica, de acción, drama y espionaje durante la Segunda Guerra Mundial. Es del año 1965 y su director fue Michael Anderson.

El reparto de actores contó con Sophia Loren, George Peppard, Trevor Howard, John Mills, Richard Johnson, Tom Courtenay, Jeremy Kemp, Paul Henreid, Anthony Quayle, Lilli Palmer, Barbara Rütting, Sylvia Syms, Patrick Wymark, Helmut Dantine.

La película ganó un premio Concha de Plata en 1965: Festival de San Sebastián: Mejor actriz (Lilli Palmer)

Brevemente, la película trata de la infiltración de espías británicos en una fábrica de misiles alemanes.

Diría que la actuación principal se la lleva George Peppard (este actor se hizo famoso en la serie Equipo A o también llamada Brigada A, aunque tiene varios film en su carrera como actor) y es acompañado por otros actores conocidos como Tom Courtenay y Anthony Quayle. La participación de Sophia Loren es breve, tiene un rol secundario, aunque podría leerse su participación en el film como representación de las víctimas inocentes de la guerra (aunque este rol también les cabría a todos los científicos y trabajadores obligados a trabajar en la fábrica). Y creo que tiene bien merecido el premio mejor actriz Lilli Palmer, que también fue una participación breve pero que rompe el esquema y le da otro cariz.

Al comienzo de la película, ya se plantea el tema, el encargue de la misión sobre la base de conocimientos adquiridos por la inteligencia británica acerca de la “armas secretas” de los nazis.

Figuita - Cromo. Década ´80

Se trataba de los cohetes V1 y V2, el V1 era un misil crucero, y el V2 un misil balístico de largo alcance.

La primer parte de la película, es muy realista, casi como un documental, muestra como llevaban a cabo las investigaciones los alemanes en lo referido a los cohetes, todo de manera bastante sucinta pero interesante.

Las pruebas de lanzamientos, los errores, y una referencia a la aviadora nazi Hanna Reitch.
Al comienzo del film (minuto 4:28), en la base alemana se da el siguiente diálogo:

- De modo, que este es su avión sin piloto 
- Quizás fuese más acertado llamarlo bomba volante, ¿no le parece? 
 - ¿Volante? ¿Quiere decir con eso que deberás han conseguido que esta bomba se levante del suelo?
- Mi querido jefe de grupo, la bomba vuela, pero se debía hacia la derecha, por ahora aún ignoramos el motivo, pero naturalmente averiguarlo es cuestión de tiempo.

Figurita - Cromo. Década ´80.

Se presenta la base alemana de Peenemunde, que fue centro de investigaciones donde se desarrollaron los coehetes y también lugar de producción y lanzamiento, aunque los modelos últimos utilizaban plataformas móviles.
Al mismo tiempo que se muestra el lado inglés y las lecturas que se hacían de las fotografías tomadas por los aviones espías.

Personalmente creo que en la película hay una tendencia a mostrar en el diálogo de los ingleses una diversidad y tolerancia de opiniones (¿sistema democrático?), más extenso y más real. En cuanto al diálogo entre los alemanes (¿sistema autoritario?) primeramente muestra la interna existente entre los oficiales de la Wehrmacht y las SS, y la discusión se salda con un “el Furher dio su aprobación”. Esto no significa que del bando ingles no hayan existido internas, que también se muestran, pero están más soslayadas.
Quizás lo último realista sea el paisaje por las montañas nevadas y el ingreso a la fábrica. La fábrica realmente existió como se muestra, se trató de un conjunto de instalaciones de la firma Mittelwerk que luego de los bombardeos aliados se reubicaron en la montaña de Kohnstein. Este centro subterráneo consistía en un conjunto de túneles y cámaras que alcanzaban los 20km dentro de la montaña.

Algo que me pareció interesante, mínimo, pero que no conocía, era la manera de cambiar la ropa, los trajes por los mamelucos de trabajo. Consistía en un dispositivo colgante metálico que se elevaba con la ropa colgando de ganchos del mismo. Algo que nunca había visto, y si así lo pusieron, imagino que habrá sido de práctica usual en las fábricas.

Luego hay una segunda parte dentro del mismo film, que es la acción, el thriller, el espionaje, la aventura. Está bien lograda. Interviene una agente doble. Genera el suspenso y la emoción de ver a los “héroes” operando en el campo enemigo.
No solo eso, sino que inserta componente extraños pero no tan elaborados como el caso de los infiltrados que son buscados, al menos uno por ser un criminal común. O también el grupo de los tres, un norteamericano, un británico y un holandés. Y esto salteado con algunos imprevistos que van surgiendo en el camino.
Con un final de suspenso, emoción y acción la película es llevadera y atrapante en lo que hace el género bélico teniendo como marco la Segunda Guerra Mundial.

Link a la ficha de la película en el web FilmAffinity
http://www.filmaffinity.com/es/film904017.html

El Espía Que Surgió Del Frío.

El Espía Que Surgió Del Frío - 1965 - Martin Ritt

El Espía Que Surgió Del Frío es una película inglesa del año 1966, dirigida por el director Martin Ritt y protagonizada, entre otros, por Richard Burton, Claire Bloom, Oskar Werner, Peter Van Eyck. 
Se trata de un thriller dramático. Pertenece al género cine negro. Trata de espionaje.
Logró obtener varios premios:
En 1966: 4 premios BAFTA: Película, Actor, Fotografía B/N, Dir. artística B/N británicos.
En 1965: Globo de Oro: Mejor secundario (Oskar Werner).
En 1965: Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (Richard Burton). 
En 1965: 2 nominaciones al Oscar: Actor (Burton), Dirección artística B/N.

Está basada en una novela del mismo nombre del escritor John Le Carre (cuyo verdadero nombre es David John Moore Cornwell) que en la vida real fue espía británico para luego dedicarse a la escritura. La novela se encuentra posicionadas entre las mejores novelas de espionaje de todos los tiempos, tiene muy buenas críticas y fue un éxito de ventas. Es una novela que tengo pendiente leerla.
De Le Carre leí la obra “El peregrino secreto”, donde la historia gira en torno a George Smiley. Bien, en la película, George Smiley aparece brevemente en un rol secundario.

La película fue filmada en 1965, en plena guerra fría. Y tiene como trasfondo las dos Alemania. La RDA, la República Democrática Alemana que era la Alemania comunista. Y la RFA, la República Federal Alemana, que era la Alemania Occidental.
El muro que dividió Berlín se levantó en una noche de 1963. Por supuesto que luego hubo varias refacciones y mejoras con el tiempo, y muchas partes de aquella noche solamente se cubrieron con un alambrado. La película fue realizada a solo 2 años de su construcción.

En síntesis, Alec Leamas (Richard Burton) realiza una operación contra el jefe del contraespionaje en Alemania Oriental. La situación se complica porque seda cuanta que se encuentra en medio de una conspiración que va más allá de su misión, algo de lo que se percata cuando ya no hay vuelta atrás.

El comienzo de la película es muy bueno. El encargado de la música da comienzo con un solo de piano generando un ambiente triste, que luego acompañará toda la trama. Un paso fronterizo, de noche, con los soldados de guardia, yendo y viniendo, el muro, los alambres. Se trata del Checkpoint Charlie. Fue el paso fronterizo más famoso del muro de Berlín. Este paso existió de verdad, y la película lo recrea tal cual, de hecho, luego del derribamiento del muro, se reconstruyó y se convirtió en atracción turística junto con museo. Checkpoint Charlie era el Puesto de Control C. Solo que la OTAN utiliza un alfabeto fonético que es Alpha (A), Bravo (B), Charlie (C), Delta (D), Echo (E), …
Incluso muestra el cartel indicador que dice que usted está dejando el sector americano, y se encontraba escrito en tres idiomas.

Cuando el jefe de Leamas le encarga la misión, té de por medio, le habla de la siguiente manera:

- Siéntese, por favor.
Nuestro trabajo según lo entiendo yo, está basado en la simple suposición de que el oeste nunca será agresor. Así, pues, hacemos cosas desagradables, pero a la defensiva. Nuestra política es pacifista, pero nuestros métodos no pueden ser menos rudos que aquellos de la oposición.
¿Verdad?
Yo diría que, desde la guerra, nuestros métodos, nuestras técnicas y las de los comunistas han llegado a parecerse mucho. Sí.
Quiero decir, que en ocasiones, hacemos cosas ruines, cosas muy ruines realmente. Pero… no podemos ser menos ruines que ellos, por el hecho que la política de nuestro gobierno sea tolerante. ¿Verdad?
Lo que he pensado para Mundt, es algo fuera de lo corriente. 

Así de forma sencilla, expone la idea de la que surgirá el sentido al film.

Leamas es uno más, uno más del montó, y visto desde su perspectiva no sabemos cuál es la verdadera trama. Los que han maquinado toda la misión, lo que lo han pensado todo, casi no aparecen, son otras esferas, aquí estamos con un agente común y corriente que encargado dela misión. Eso es lo que tiene el film, hay que estar demasiado atentos, para no perderse, porque para entender lo que sucedió hay que ver lo que sigue a continuación. Eso mantiene la intriga.
No estamos frente a un héroe, estamos con un personaje con fuertes y debilidades, pero uno común.

También es posible ver una época, la década del 60 en la ciudad de Londres, los autos, las calles, las fachadas, las vestimentas, el interior de las casas (de clase media), los negocios, etc…

Al mismo tiempo, se recrea el ambiente de la intriga, la sensación de suspenso, la capacidad de resistencia, el fluir de los acontecimientos difíciles, enmarcados en un ambiente gris, nublado, con lluvia (la lluvia como un ataque natural), el ambiente cerrado de la bibliteca, el bar lleno de humo y bullicio, la música tristona, el personaje todo mojado por la lluvia, hasta el libro en el estante de licantropía (el hombre que se convierte en lobo), todo está pensado para generar el espectador esa sensación de incertidumbre (y vacio) de que algo anda mal, o está por venir algo mal.

Por otro lado podemos ver a la chica, Nan Perry, interpretada por la actriz Claire Bloom, que conoció la fama de la mano de Chaplin en la película Candilejas. En esta oportunidad hacer las veces de militante comunista. En un momento, Laemas dice “comunismo, capitalismo, siempre pagan justo por pecadores” . En cierto momento, Nan y Leamas están conversando y ella dice que “cree en la historia, en la libertad” , Leamas le contesta “¿No me diga que usted es un fanática?” y ella dice “Si, asi soy yo, luchando por la paz” y continúa “Los hay que solamente hablan, pero el Partido trata de hacer algo más” Leamas le retruca “¿Y que hará el Partido, si es que puede saberse, por la camarada Nan?” (…) “Eso es lo que el Partido hace por nosotros, canaliza nuestras pasiones”, contesta Nan. En definitiva, la militante es un personaje ingenuo y utilizado por los unos y los otros en el film.

Los otros dos personajes, sobre todo Fiedler (interpretado por Oskar Werner) el sub-jefe de la inteligencia en Alemania Oriental, están bien personificados.

Lo último, resta decir el montaje del juicio. Me pareció muy bueno, sobre todo porque es algo desconocido, desconozco si se trata de una reproducción de un juicio real o si no se respetó la manera que en se realizaban, pero la ausencia de garantías, la sospecha de imparcialidad, la sensación de injusticia que deja (sea cual fuere el resultado), la exacerbación de la autoridad (o el abuso de autoridad por parte del tribunal), realmente no cuento con información como para poder comparar y verificar si los juicios en las llamadas democracias populares de los países del Este satélites de la URSS eran como el que se desarrolla en la película, y salvando la presencia del testigo estrella, no me pareció mal montado.

A quienes gustan del género, es una película recomendable para verla.

Link a la ficha de la película en la web FilmAffinity

http://www.filmaffinity.com/es/film410880.html

Un Puente Lejano.

Un Puente Lejano - 1977 - Richard Attenborough.

Esta es una película bélica del año 1977. Producción del Reino Unido (¿y Estados Unidos?). Una película interesante aunque no tuvo un éxito de taquilla. Increíblemente cuenta con un reparto importante de actores reconocidos, Sean Connery, Edward Fox, James Caan, Dirk Bogarde, Michael Caine, Robert Redford, Anthony Hopkins, Liv Ullmann, Maximilian Schell, Gene Hackman, Ryan O'Neal, Laurence Olivier, Elliott Gould, Hardy Kruger. 

Se trata de una superproducción. Cuenta una historia basada en hechos reales. Se funda en un libro del año 1974 escrito por Cornelius Ryan, y titulado A Bridge to Far (Un puente lejano).

El mayor desembarco aéreo de la segunda Guerra Mundial. 

Ganó de tres Premios BAFTA a la Mejor fotografía, a la Mejor banda de sonido, y al Mejor actor de reparto (Edward Fox).

La película cuenta la historia de la Operación Market Garden. 
Market era la ocupación por parte de los paracaidistas.
Garden eran los refuerzos en el avance terrestre.
En modo sintético se puede explicar así, luego del desembarco en Normandía, la puja entre Patton y Montgomery, hizo que ambos formulen dos planes de avance contra los alemanes. Triunfó la postura de Montgomery que consistía en lanzar paracaidistas que tomen un conjunto de puentes sobre los Países Bajos con el fin de romper las líneas alemanas y avanzar hacia Alemania.
Además el nuevo paso iba a servir como ingreso de suministros. Se preveía lanzar 35.000 paracaidistas (casi el doble de los que se lanzaron en Normandía) a 100 km detrás de las  líneas alemanas. Y efectivamente así se hizo. Pero de todos los puentes que se pensaba tomar el control, el último, el puente de Arnhem resultó estar “demasiado lejos”.
Si bien se consiguieron casi todos los objetivos, quizás el más importante no se logró, que era justamente el puente de Arnhem, errores en la información, la mala suerte, la reorganización alemana en la contraofensiva, tal vez la última en la retirada hacia el final. La Operación Market Garden  tuvo un final no esperado con un alto costo para los aliados del frente occidental que pensaban llegar a Berlín antes de la Navidad de 1944.

Lo anterior fue una breve reseña para comentar la película y a continuación voy a dejar mi opinión.
La película me gustó mucho. Por lo que leí, trata de asemejarse en su totalidad a la historia real. La ambientación está muy bien lograda y se acerca mucho a la exactitud y rigurosidad histórica.
Lo bueno es que comprende diferentes grupos sobre un mismo campo de operaciones, cada uno con sus particularidades, pero no se avoca a una grupito en especial como suele suceder en muchas películas bélicas, sino que comprende una operación a gran escala identificando a cada uno de los grupos participantes.
La contra que conlleva una film de estas características puede ser que queden cabos sueltos o áreas sin desarrollar.
Tampoco hay personajes que se destaquen por si mismos, parecen más bien esquemáticos y fríos, no hay héroes individuales, casi sobrehumanos, hasta puede resultar algo aburrido, pero en definitiva es que lo hace el equilibrio.
Hay una licencia, si se quiere, quizás con la conducta del sargento con el muerto, seguramente hubo casos de locura como en cualquier conflicto armado, no se si correspondía que se introduzca el caso particular en la magnitud del conflicto que se estaba mostrando.
La música, si bien ganó premios la banda sonora, a mi personalmente me molestó un poco, volaban los aviones ¡música!, avanzaban los tanques ¡música!, marchaba la tropa ¡música!
Hay escenas de combate que están muy bien logradas.
Algo que nunca había visto en una película, fue al final en los créditos, la mención de fuentes consultadas y la mención de asesores militares.

La película juego muchas veces con un humor bastante particular.
Por ejemplo al comienzo, (minuto 8:45) cuando Von Rundstedt llega y se hace cargo del mando, en el diálogo dice:

- Lo primero que  debemos hacer es convertir a toda esta chusma en algo parecido a un ejército.
¿Alguna idea de cuando planean invadir Holanda?
- Parece ser que se han detenido en Bélgica, seguramente por problemas de aprovisionamiento. Si no, no nos explicamos por qué.
- Creo que es porque nos estamos retirando más rápido.

En otro pasaje, (minuto 1:03:35) una americano le dice a un inglés:

- Eso es fantástico, pero dudo que el 30 cuerpo llegue al puente Grave si no reparan antes el maldito puente Son.
Diga a nuestros primos ingleses que se muevan y hagan algo.
- Sí, señor.
- En Eindhoven me reuniré con ellos cuando lleguen y diga a esos malditos que lleven sus equipos Baileys en sus columnas ¿Entendido?
- Sí, señor.
- Y no olvide decirles “por favor”.  

En cierta forma hay como una ridiculización de los alemanes, algo que es muy común en muchas películas referidas a la SGM. Desconozco si existió verdaderamente la frase o si existe algún testimonio. En el minuto 45:35 se da el siguiente diálogo:

Cuartel General del Mariscal de Campo Model.

Hotel Hartenstein, Arnhem.

- Perdone que lo interrumpa, marical de campo. Pero han aterrizado paracaidistas británicos. A tres kilómetros de aquí.
- ¿Por qué harían una cosa así?. Aquí no hay nada importante. Estoy yo, ¡yo soy importante!.

También hay una ridiculización de los británicos, en el minuto 1:11:45, ya comenzados los combates en el puente de Arnhem, los británicos se enfrentan a una ametralladora dentro de un bunker a un lado del puente. Por la noche, dos británicos se escabullen acercándose sigilosamente con un lanzallamas. El que lo lleva, apunta, dispara, y el fuego sale para la parte posterior del bunker. Uno le dice al otro – Has fallado, nos mataran como a piojos, el otro le contesta – Me has movido el brazo, ¡estúpido!. Inmediatamente después, se produce una explosión y vuela todo el bunker en pedazos. Le habían dado al depósito de municiones. Momento después el jefe inglés de los paracaídistas que llegaron al puente toca una corneta, y el jefe de los alemanes del otro lado, gesticulando, agrega “El valor de los locos”


Llegando a los minutos finales (2:32), en diálogo entre Frederick Browning y Royn Urquhart, el primero utiliza el sarcasmo para definir una conclusión

- Acabo de hablar con Monty, está muy orgulloso y complacido.
- ¿Complacido?
- En efecto, considera que la Operación Market Garden ha sido un gran éxito.
- ¿Y usted qué opina?
- Siempre creí que intentábamos tomar un puente demasiado lejos.

Ocho Sentencias De Muerte.

Ocho Sentencias De Muerte - 1949 - Robert Hamer

Esta es una película británica del año 1949. Se trata de una comedia negra, es decir, incluye el crimen, la intriga, el drama y el humor. La película está realizada en blanco y negro (El color se volvió masivo en el cine a partir de la década del ´50).

Está basada en una novela de 1907 llamada Israel Rango: La autobiografía de un criminal, escrita por Roy Horniman. El título de la película proviene de un poema de Tennynson de 1842 llamado “Señora Clara Vere de Vere”.

El Instituto de Cine Británico (BFI – British Film Institute) elaboró una lista con las mejores 100 películas británicas del siglo XX, y ubicó a Ocho sentencias de muerte en el sexto lugar.

La película gira en torno a Louis Mazzini (interpretado por Dennis Price), y cuenta la vida del mismo, un personaje resentido y ambicioso que buscar obtener por el mal camino lo que le negaron, fue rechazado por parte de su familia y este rechazo a él y su madre, en realidad el rechazo fue hacia su madre y por extensión, también a él. Su madre fallece y él busca vengar la afrenta y obtener el título que por linaje le corresponde. Entre él y su herencia nobiliaria se interponen 8 familiares, y decide acelerar los tiempos y allanar su camino. La mejor manera que encuentra es eliminándolos, ir asesinando uno por uno hasta que no quede ninguno de ellos.

El papel de asesino serial llevado a cabo por Dennis Price fue el punto más alto de su carrera actoral.
La película, ambientada en el año 1868, comienza con el personaje principal en la cárcel, esperando el cumplimiento de su sentencia de muerte a la que fue condenado, a la mañana siguiente, a las 8 am será ahorcado.

La película posee ricos diálogos, letra, es para disfrutar la manera en que se expresan cada uno de los personajes, por ejemplo, al comienza quien parece ser el juez se presenta en la cárcel donde se encuentra el sentenciado y en diálogo con el jefe de la prisión le dice:

- Ni siquiera mi difunto maestro, el gran Perry en persona, tuvo el privilegio de ahorcar a un duque. Un gran final para toda una vida en el ministerio público. 

- ¿Final?

- Sí, quiero retirarme. Si has utilizado la cuerda de seda, no puedes seguir trabajando con cáñamo.

El duque pasa sus últimos momentos en la prisión escribiendo sus memorias. Eso da pie a contar su historia, y allí comienza el hilo de la película. Va intercalando con una voz en off. El duque es un personaje tranquilo, calculador, con buenos modales y que va maquinando su macabro plan mientras vive una vida sin mayores sobresaltos.

La película tiene un humor negro bastante particular. No hay de esperar grandes risotadas. Más bien es un humor más pensado, más elaborado.

Las 8 víctimas, los 8 herederos pertenecientes al clan Ascoyne, están interpretados, cada uno de ellos, por el mismo actor, Alec Guinness, quien realiza un muy buen papel asumiendo cada uno de los personajes, y todos ellos variopintos. Por este papel, Guinness ganó el Premio National Board of Review Motion Picture al Mejor Actor en 1950. Algo muy meritorio para un actor de renombre como lo fue.

Completan el elenco dos mujeres, una de ellas, Sibellla, es frívola, oportunista y avispada, que deja una sensación de malicia en su proceder, diría de chantaje con motivación económica o de prestigio social, interpretada por Joan Greenwood. La otra mujer, Edith, interpretada por Valerie Hobson, es una mujer sofisticada y de clase alta. En parte uno podría encontrar cierta descripción burlesca de un sector de la sociedad británica de aquel tiempo, una sátira a ciertas costumbres de dicha época. Pero detenerse en esto llevaría a un mayor y minucioso análisis del film. En este otro blog http://otrosclasicos.blogspot.com.ar/2007/10/kind-hearts-and-coronets-1949.html se puede leer un buen comentario sobre la película. Y aquí algunas otras críticas http://www.filmaffinity.com/es/reviews/1/404067.html

Uno puede encontrar referencias históricas a costumbres de época como cuando en un momento habla que “adquirió un piso de solteros” o ver solo una película que trata la historia de una venganza, más que nada por la conocida frase, que un momento el protagonista la menciona, “la venganza es una plato que se come frío”, pero vista con detenimiento se pueden encontrar muchas más cosas.

En otro momento, uno de los personajes hace referencia a Matabele. La campaña de Matabele, se refiere a la guerra de Boers en lo que hoy es Zimbawe, pero dichas guerras comenzaron en 1880 y la campaña de Matabele sucedió en 1896 y la película está ambientada poco antes de 1868 como puede verse en la fecha que figura en el cartel al comienzo. A este acontecimiento hacen referencia otros autores en sus respectivos textos, por la importancia o repercusión que tuvo en su momento.

En su momento, la película fue censurada en EEUU, no en su totalidad, sino en ciertas partes que habla de la infidelidad y el adulterio, y le cambiaron el final. Hacia el 2006 y 2011 lanzaron una edición en dvd que incluía la película con los dos finales. Solamente vi la original con el final inglés.

A quienes gustan del cine clásico, y quiren disfrutar de una muy buena película, no pierdan oportunidad de verla.

Para concluir, debo decir que el final es magnífico, en los minutos finales, la película da un giro terriblemente bueno, y como si fuera poco, el remate final es sensacional. Uno no lo espera y realmente se sorprende gustosamente.

Tocando el Vacío.

Tocando el Vacío – 2003 – Kevin Macdonald

Hace un tiempo vi la película Tocando El Vacío. Es una película inglesa del año 2003. Es verídica, está basada en un libro (Touching the Void), que fue un best-seller escrito por el montañista Joe Simpson en el que cuenta hechos que sucedieron en 1985 en Perú por dos alpinistas ingleses (Joe Simpson y Simon Yates). En su mayor parte es aburrida, salvo a mitad de la película cuando cae y sobrevive, que se pone interesante. Igual es recomendable verla. A aquellos que estudian derecho penal puede resultarles interesante porque es un vivo ejemplo de un caso que suelen dar en materia de estado de necesidad justificante y estado de necesidad exculpante, generalmente citan el ejemplo de los dos náufragos, en el que uno mata a otro para quedarse con la madera que flota que le salvará la vida. En esta película, dos alpinistas están atados juntos a punto de caer a un precipicio, uno de ellos le corta la cuerda al otro que cae al vacío, para salvarse de caer junto con él, quien cortó la cuerda finalmente se salva, lo que no sabe es que quien cayó al vacío también se salvó.

La película ganó el premio Alexander Korda a la mejor película británica en los Premios BAFTA del año 2004, y fue destacada en el Sundance Film Festival también en 2004 según indica Wikipedia y FilmAffinity.
No tengo mucho más para decir de ésta película, sinopsis, reseñas y críticas se las pueden encontrar en la web.

Algo me llamó la atención del film y es el motivo de este mensaje del blog, en un momento el alpinista mira la hora, y cuando muestran el reloj me detuve en el mismo, primero pensé que era igual al que había tenido algún tiempo atrás, luego cuando lo vi con detenimiento, no se trataba del mismo, el del alpinista al parecer, era un modelo más viejo. Tiene cierta lógica, si los hechos sucedieron en 1985.
Me pregunto si habrán encontrado y filmado con el modelo de reloj que utilizó el verdadero alpinista o si utilizaron un modelo cercano al verdadero.
El modelo del alpinista, comparando con los de la colección Casio, sería parecido al F-91W-1YEF , posiblemente no sea el original, ya que Casio comenzó con los relojes analógicos menos de 10 años antes, y eran modelos más rudimentarios.
Pero es difícil saberlo, porque para años cercanos al hecho, Casio tenía varios modelos similares. Casio entre sus relojes tiene algunos con opciones especiales para variadas actividades (pesca, trekking, buceo, etc..) y también para alpinismo, pero no se si estos modelos especiales fueron naciendo a posterior del hecho de la película.
No se trata de hacerle propaganda a esta marca de relojes, pero se dio que era la que muestra la película, tal vez los alpinistas hasta utilizaron otra marca y/u otro modelos y el actor o el director señaló de ponerse justo ese reloj Casio, quizás en el libro se haga mención a dicho reloj y por eso lo utilizaron, no lo se y no lo investigué, solo me detuve a realizar este comentario por los dos segundos que duró la imagen en más de una hora y media de la película.
Pero al ser basada en hechos reales, hay algunos directores, (al menos debería haberlos y se que los hay), que son detallistas, muy detallistas y es posible que existan algunos que sean detallistas al extremos, puede ser algo que pasa desapercibido, pero a veces las cosas pequeñas tienen su importancia, y para muchas actividades, un reloj es importante.

El Quinteto De La Muerte.

El Quinteto De La Muerte - 1955 - Alexander MacKendrick

Esta es una comedia negra, de crimen, y hasta si se quiere dramática. Las representaciones están bien realizadas. Se logran las risas con situaciones muy simples y burdas. Y diálogos elaborados. Es un viaje en el tiempo, los vehículos, las fachadas, la calle en general. El ambiente creado al lado de las vías, las oscuridad de la noche, el humo, el tren, los vagones de hierro, el vagón con carbón, las paredes viejas y negras por el hollín, y la representación de los ladrones, uno con la porra, los ojos pintados de negro, todo muy bien logrado. El título original de esta comedia británica es The Ladykillers, imagino que será algo así como los asesinos de dama, pero en el sentido de ser un Don Juan, alguien guapo que seduce a las damas,  aunque al español la titularon El quinteto de la muerte. Quien hace el papel de la señora Wilberforce, es una actriz de nombre Katie Johnson, dos años más tarde fallecía. Esta película fue su obra más importante, por su representación ganó el premio BAFTA a Mejor actriz británica, amén que la película también ganó el galardón a Mejor guión en la misma premiación, y obtuvo una nominación al Oscar. El papel del Profesor Marcus fue representado por Alec Guinness un reconocido actor de larga trayectoria. Y si bien es el más “intelectual” de la banda, la apariencia casi siniestra de personificación le dan un aire de suspenso que asusta, sus gestos y movimientos muy logrados. La casa está prolijamente cuidada solo que todo está un poco inclinado, desde la escalera hasta los cuadros, Marcus se sorprende y la Sra Wilberforce le contesta “-Mucho me temo me sea imposible ponerlos derecho, profesor Marcus, a causa de las conmociones”. – Marcus pregunta “- ¿Conmociones?” y ella le responde “- Sí, los bombardeos, todos están torcidos”.  Hay muchas situaciones que son muy graciosas, incluso hasta las más ridículas, o aquellas en las que aparece el crimen, que no necesita mostrar sangre para transmitir lo que quiere. El click se produce a partir del momento en que se descubre el hecho, y todo por una situación muy burda pero que ingeniosamente da un vuelco a la historia, y lo mejor que es que no pierde, sino que gana intensidad hasta el desenlace. Las situaciones insólitas llegan al punto que la viejita termina utilizando el lenguaje de los bandidos, “se que transporté la pasta para ustedes”, algo que repite frente a la policía. A quienes gustan del cine clásico, esta es una buena opción para no dejar de ver.

El Quinteto De La Muerte - 2004 - Ethan Coen y Joel Cohen

El comienzo de esta Remake no me gustó, prima el mal gusto, por sobre el suspenso, un primer plano de dos policías roncando y luego el primer plano de las suelas de los zapatos, no tiene ni gracia ni suspenso. La mujer gesticula mucho, muy sobreactuado. Muchas groserías en el lenguaje. Al menos los primeros 30 minutos me resultaron aburridísimos como para ser una comedia, no hay suspenso, no hay misterio, no hay humor. Las actuaciones dejan mucho que desear. La mujer, dueña de la casa, deja mucho que desear, muy sobreactuada, poco creíble. La actuación de Tom Hank es buena, es un actor talentoso, reconocido. La segunda mitad se pone un tanto más divertida, pero al mínimo, aburren los diálogos, las caracterizaciones, los acontecimientos por venir son sumamente previsibles, como remake no me gustó nada.

El Topo.

El Topo - 2011 - Tomas Alfredson

El título original es Tinker Tailor Soldier Spy, pero vaya a saber uno porque en la versión en español lo cambiaron a El topo.
La película es un thriller de intriga basado en una novela de John Le Carre. John Le Carre es un autor de varias obras de espionaje, es su fuerte literario y en muchas de ellas el personaje principal es el agente Smiley. Varias de sus novelas fueron llevadas a la pantalla. De este autor, solo leí una obra, El peregrino secreto, en la que también figura Smiley. Quizás, la mejor de todas sus novelas, sea El espía que llegó del frío, muy renombrada.


La película comienza con un “- ¿Te han seguido?; - No; - Entonces entra. No confíes en nadie, Jim, y menos en la gente corriente.” que parece prometer.
El film no ofrece acción, armas, aventuras, es de espías, pero la historia tiene otra vuelta, si bien es verdad que no faltan un par de tiros, es una porción mínima en el film.
Genera un mínimo suspenso y sí logra establecer la duda con ansias de resolución en cuanto se pone a trabajar para descubrir y atrapar al traidor.

Durante la Guerra Fría realmente existió un hecho, de espías ingleses que fueron cooptados por la URSS, en lo que se conoció como Los Cinco Traidores de Cambridge, y si bien varios autores han escrito libros con pareceres al suceso, han negado que cada obra tenga relación con los hechos sucedidos, pero el parecer está, y la película tiene un aire a esa realidad que existió.
El personaje de Smiley está bien caracterizado por Gary Oldman, no se trata de un héroe que lo puede todo, no hay que esperar ver un super-espía, es un hombre común realizando su trabajo, paciente, tranquilo, va recolectando información variada, uniendo datos, y generando una conclusión. Gary Oldman es un actor bien considerado por la crítica, y ha representado en varios personajes de malo, o llenos de malignidad, recuerdo el policía desequilibrado en la película León el profesinal.

Hay que estar atentos, durante la película se realizan algunos flashback, y son útiles para comprender la historia.
Algunos personajes, a mi parecer, entre ellos, algunos del Circus, están algo sobreactuados, o llevados al extremo en su caracterización.

La película recibió más de veinte nominaciones a diferentes premios y ganó Mejor guión adaptado y Mejor película británica en los premios BAFTA, que son la premiación anual del cine británico allá en su propio país. Todo esto habla del buen recibimiento que tuvo la película en algunos críticos de cine.

La Gran Juerga.

La Gran Juerga - 1966 - Gérard Oury

Esta película es una parodia de la Segunda Guerra Mundial, ubicada en la Francia ocupada donde se mezclan pilotos ingleses con miembros de la resistencia, o personas que por ayudarlos terminan siendo perseguidas, por consiguiente uno intuye que son miembros de la resistencia, aunque podría hacerse otra lectura y pensar en la bondad de los ciudadanos franceses con la ayuda al prójimo frente a la maldad de los soldados alemanes. El humor me pareció algo burdo, pero en definitiva es una parodia. Es una película disparatada, con momentos desopilantes y algunas situaciones bien logradas que roban algunas risas. Las reseñas en la web dicen que la película fue un éxito en Francia, país de donde es.

Link a la ficha de la película en el sitio FilmAffinity

http://www.filmaffinity.com/es/film335511.html