Similarities Between a Mythological Legend and an Ancient Fable

I found some similarities between a legend from Greek mythology and a Chinese fable—the latter of which I read in a book specifically dedicated to fables.

These are the Legend of King Midas and the fable Hard to Please. Both tell the story of someone whose touch turns everything into gold.

First, I will transcribe the fable Hard to Please, a work collected by Feng Menglong from the Ming Dynasty.

A poor man met an old friend on his way. This friend possessed a supernatural power that allowed him to perform miracles. As the poor man complained about the hardships of his life, his friend touched a brick with his finger, which immediately turned into gold. He offered it to the poor man, but the man felt it was too little. The friend then touched a stone lion, which turned into solid gold, and added it to the golden brick. The poor man still found the gift insufficient.

"What else do you desire then?" asked the miracle worker.

"I want your finger!" replied the other.

And next, the Legend of King Midas.

King Midas, son of Gordias—a peasant who had ascended to the throne of Phrygia by the will of the gods—grew up obsessed with wealth. Therefore, when Dionysus (Bacchus) offered him a wish for having helped Silenus, his drunken satyr companion, Midas asked that everything he touched be turned into gold.

Everything was going well until he felt hungry. When they brought him food, it turned into gold as well... the same thing happened with the wine. Seeing this outcome, a horrified Midas begged Dionysus for help. The god told him to wash himself in the Pactolus River, which explains why gold dust can still be found along its banks today.

This last one is a very brief summary. To learn more about King Midas, visit and read the text on this webpage: www.ecosdelheroe.com/leyendas_reymidas.html , which explains it very well.

Centro Cultural Recoleta.

Sábado por la tarde, junto a mi esposa, fuimos de visita al Centro Cultural Recoleta. Ingresamos subiendo la escalinata que se encuentra por Av. Pueyrredón, es decir, realizamos el recorrido inverso, aún sí no nos perdimos ninguna de las muestras expuestas.
No había mucha gente recorriendo, junto con nosotros ingresaron una pareja de orientales que tomaban fotos y fotos hasta de las puertas, con pinta de turistas, y apenas se venían tres o cuatro personas más caminando por allí.
La primer foto corresponde a una paloma (Columba livia domestica) común y corriente de las muchas que hay en la ciudad, descansando sobre la cabeza de una de las estatuas que decoran el Centro Cultural.
La tarde estaba algo nublada, no tanto, y corría una leve brisa que por momentos tomaba fuerza y luego de vuelta a la tranquilidad de apenas mover el aire.

Ingresamos, y dimos con una sala, la Sala 10, en la que se encontraban un montón de maderas en lo que parecían formar un anillo, uno ingresaba y la puerta daba a uno de los lados de la obra. Cuando se caminaba hacia una de las puntas, se podía verla desde otra perspectiva y allí lo que se veía era una especie de túnel realizado con maderas.
La obra, titulada "Giro Triangular” pertenece al artista Luis Terán, él mismo la comenta en un video de 5 minutos publicado en http://vimeo.com/114990985 donde comienza diciendo “La escultura "giro triangular" es una escultura en gran escala, que toma las dimensiones de la sala y la ocupa casi en su máximo tamaño”.
En una revista sobre arte contemporáneo, llamada “El gran otro”, realizaron una nota con una entrevista al artista Luis Terán. Fue titulada “Monumento a la basura” y su autor es Hernán Ruiz. En este link que puede leer http://elgranotro.com.ar/index.php/monumento-a-la-basura/ La entrevista fue realizada antes que se realiza la muestra en el Centro Cultural Recoleta, pero ya allá se refería a la obra como “Ahora voy a hacer esta pieza ‒pero en un tamaño más gigante‒ el 15 de noviembre en el Centro Cultural Recoleta, en el marco de una gira de algunas piezas de la Bienal de Venecia con un invitado local, que en este caso soy yo. Voy a montar esta obra que lleva más de 1.200 metros de madera, que implican un trabajo en equipo que me gusta mucho. Estas piezas son como una especie de desafío constructivo.”
La muestra de esta sala 10 fue inaugurada el 13 de noviembre y cierra el día 8 de febrero del corriente año.

En la siguiente fotografía se puede ver lo que estaba indicado en la pared de la sala, el cual dice “Giro Triangular. 
La creación de Luis Terán nos introduce en un juego de líneas, puntos, ángulos y más ángulos. Una experiencia lúdica que remite a un mundo geométrico, una estructura en construcción.
Como una estrella en movimiento, la secuencia de triángulos equiláteros que giran sobre el mismo eje, nos induce a una fantasía de luces y sombras que se entremezclan al transitar la sala en donde la obra, al no poder tomar distancia para reconocerla en su totalidad, obliga a repensar las siempre tensas relaciones entre el espacio, la materia y los vacíos.
El recorte de nuestra mirada y la sensación de algo que nos excede nos lleva a experimentar la parte por el todo, a ir de lo particular a lo general, de acuerdo al lugar que decidamos ocupar. La obra es una figura y a la vez varias figuras que avanzan y retroceden, como una fuga progresiva, llena de profundidad y volumen.
Con Giro Triangular, Terán nos cautiva con un remolino armado de simples materiales como maderas y alambres, de luz, de aire y que, en su conjunto, conforma una matriz en constante expansión.
Curaduría: Gabriela Urtiaga.
Asistencia curatorial: Belén Bauzá.”
Lo que me pareció al leer el texto, fue que lo escrito me resultaba más interesante que la obra misma, uno lee eso y parece adentrarse en un cuento de ciencia ficción, pero luego observa la obra y parece que no se corresponde, al menos a mí, solo me resultó divertida para tomar fotos.

Luego continuamos recorriendo y pasamos a otra sala, la sala 4. Aquí había una muestra fotográfica. La misma había sido inaugurada el 10 de diciembre y cierra el día 8 de febrero del corriente año. La muestra está titulada “El amante de Buenos Aires” y el autor es Claudio Larrea.
La webpage del autor es http://www.claudiolarrea.com/
En lo referente a la muestra, en la página web del CCR dice “La muestra es un registro fotográfico de la ciudad de Buenos Aires con los ojos de un amante, que perdona la imperfección y resalta la armonía. En una bicicleta antigua recorre el amante los senderos de una ciudad que recuerda bella y a la que sigue amando”.  Y luego agrega “A principios del 2010, de regreso a Buenos Aires, comenzó a realizar un relevamiento fotográfico de la ciudad, en un proyecto que se denomina “El Amante de Buenos Aires””.
Las fotografías son en su mayoría, yo diría todas, referidas a construcciones, edificaciones, más que nada arquitectura. No me pareció algo novedoso pero sí agradable para ver, resultan interesantes. Algunas de ellas, son vistas que la mayoría de los habitantes no tenemos posibilidades de ver, o quizás nunca lleguemos a verlas pero las disfrutamos en la fotografía que tomó este autor. Muchas son de lugares comunes pero con sus colores, sus líneas, su perspectivas las volvían diferentes.

La muestra estaba acompañada por un texto presentación titulado “Del amor y la fugacidad” escrito por Eduardo Villar. Y así lo presenta “Así son los amantes, ven belleza donde otros ven defectos o decrepitud” y luego agrega “Larrea sale casi diariamente en bicicleta a recorrer las calles”. 
Lo que sigue me llamó la atención, en la presentación de la muestra, Villar escribe “Pero sobre todo lleva su mirada. Es esa mirada lo que le permite ver lo que está a la vista de todos pero que nadie ve hasta que sus fotos lo muestran. Un cisne en una escalera, un faro entre dos medianeras, las fotos de Larrea revelan siempre algo nuevo en edificios emblemáticos, algunos monumentales, íconos arquitectónicos de cierto momento de Buenos Aires, cúpulas extraordinarias, estructuras imponentes, grandes bancos y bibliotecas. Pero también edificios plebeyos y lobbies perdidos en cualquier barrio”. 
Ahora mirando por internet, veo que muchas de las fotografías que expuso el autor como “El amante de Buenos Aires”, anteriormente las utilizó en otras muestras. Por ejemplo, en una exhibición llamada “Lobbies de Buenos Aires” (donde se registran lobbies de Buenos Aires de la década del ´30 al ´50) había fotos que se encuentran en esta muestra en CCR. Aquí el link http://www.galeriaartexarte.com/expo68.html . También, hace un año atrás, una nota titulada “Claudio Larrea: el fotógrafo “flaneur”” escrita por Martin Volman. Da cuenta de una muestra llamada “Arquitectura peronista” donde también figuraban fotografías de las expuesta aquí en CCR. Aquí el link http://jaquealarte.com/2013/11/12/claudio-larrea-el-fotografo-flaneur/

La palabra “flaneur” me llamó la atención, dado que no la conocía, y también figura en el texto presentación de la muestra escrito por Villar, cuando dice “este relevamiento de flaneur porteño”.
Acudí al diccionario de la RAE y me da el siguiente resultado “La palabra Flâneur no está registrada en el Diccionario.”
Así que continúe con Wikipedia, y allí sí dice algo en el siguiente enlace http://es.wikipedia.org/wiki/Fl%C3%A2neur “El término flâneur (/n/ flɑnœʀ) procede del francés, y significa 'paseante', 'callejero'. La palabra flânerie ('callejeo', 'vagabundeo') se refiere a la actividad propia del flâneur: vagar por las calles, callejear sin rumbo, sin objetivo, abierto a todas las vicisitudes y las impresiones que le salen al paso.”

Pasamos a la Sala 7 y allí había una muestra inaugurada el día 10 de diciembre y la misma cierra el día 8 de febrero del corriente año, tal como lo indica un tarjetón que da publicidad a la muestra. Se trata de un conjunto de pinturas de la artista Marcella Casal. La muestra está titulada “Silencio”. La web del CCR la presenta de la siguiente manera “La muestra está basada en el desarrollo de una serie de pinturas que exploran la visibilidad del silencio.”
Entre las pinturas expuestas, realizadas sobre bastidor entelado con pintura acrílica, había una obra, que según puedo ver en el facebook público de la autora, titulada "Oeste" que se trata de un díptico y que fue 1º Premio Universidad de Belgrano a la Creación Artística https://es-es.facebook.com/pages/Marcella-Casal-Pinturas/
“La visibilidad del silencio”. A mi modo de ver solo eran cuadros abstractos, solo veía líneas, colores, puntas y figuras que se asemejaban a triángulos, pero nada más. No obstante, parece que trataba de la “visibilidad del silencio”, así que mis cuestionamientos personales eran y son, ¿cómo se representa el silencio?, el silencio está definido como la ausencia del sonido, a través de un medio sonoro (cine, radio, teatro) es fácil representarlo, pero ¿en la pintura? Podría ser la ausencia de “algo”, de formas, o de colores, de rayas, y aun así sigue siendo insuficiente. Podría ser un pictograma que represente una realidad abstracta como una comunicación por ejemplo donde se señala o se da a entender la presencia del silencio, podría ser bajo el imperativo de una orden a través de una señal, etc… Podría dibujarse o tratar de hacerlo mediante un oxímoron, hay varios ejemplos de oxímoron con la palabra “silencio”, una pintura al incluir dos expresiones opuestas creo que lo haría resultar más fácil, y aun así no se si es posible, al menos no vi ninguno. Por ejemplo, leí en la web, sobre un largometraje (llamado Musica Ocular) completamente realizado en lengua de señas realizadas por personas sordomudas con la finalidad de representar visualmente el silencio. Pero una película donde hay movimiento no es lo mismo que una pintura que en principio, el soporte está fijo, aunque luego se pueda recrear alguna forma de movimiento en los que se plasma. Para hablar del silencio, podemos ir en busca de conceptos en la espiritualidad, o bien en las ciencias, en la filosofía, en la psicología, en el derecho. En todos esos caminos vamos a encontrar diferentes conceptos relacionados con el silencio, pero no se si alguno de ellos puede dar cuenta como se visualiza el silencio.

Pasamos a la Sala 6, y allí había una muestra que había comenzado el 10 de diciembre y cierra el 8 de febrero del corriente año. Se trata de la muestra llamada “Árbol Urbano” de la artista plástica Mónica Galeotti. La idea de la artista de esta muestra es “sobre el tema verde-naturaleza-oxígeno-vida”, un tema ecológico que está de moda últimamente, al menos las últimas dos décadas y que cada vez suma más adherentes,  al tiempo que se manifiesta en las más variadas formas. Esta es una de las tantas, a través del arte.
La artista tiene su página web en http://monicagaleotti.wix.com/arte
Lo primero que reparamos es que la sala estaba, por decirlo de alguna manera, dividida en dos partes, en una un conjunto de cuadros colgados para exposición en las paredes de la sala, y en una de las puntas de la sala, una obra materializada. Ahora bien, esta obra estaba compuesta primeramente por dos hilos tirantes paralelos sobre los cuales colgaba una enmarañado de lana color verde que al parecer se trataba de una o dos madejas de lana bien revueltas para arrojarlas allí encima de los tirantes, mezclarlas y dejar que dicha lana cuelgue en algunas partes más juntas y en otras más separadas, si “eso” sirve para “concientizar” no lo sé, sólo vi la mal utilización de un recurso como la lana, desperdiciada. En el rincón del fondo, unos dos o tres troncos, de pequeño tamaño junto con unas ramas, todos en forma vertical. Y más prontamente, justo debajo del enmarañado de lana mezclada, dos macetas con dos pequeñas plantas, no tenían información alguna, desconozco si se trataba de dos pequeños árboles en crecimiento.

Del otro lado de la obra, de una plataforma cuadrada instalada en el techo, colgaban hilos de lana verde, y esta vez, en el buen uso de la lana, había hojas tejidas, posiblemente en crochet, unas cuantas hojas como se ve en la fotografía, y en cada hoja un papelito, que no recuerdo que decía, creo que se tratada de uno o más nombre por hoja.
La webpage del CCR, con referencia a esta obra, dice “Deja plasmado de una forma amena y creativa, la importancia del verde dentro de la ciudad, que redunda en mejor calidad de vida. El árbol, por sí, simboliza vida, es parte de nuestro paisaje formando un patrimonio paisajístico y cultural.”
Uno podría hacer una relación con los brotes, las hojas, los nombres, y allí encontrar la “vida”, pero no sé, no me cierra del todo, y el resto, no le vi ningún sentido, habían puesto un video que se reflejaba sobre el suelo, donde al parecer se comentaba la obra, no vimos el video, continuamos recorriendo la muestra. Me pareció que la creatividad no llegó de lleno. Todo esta obra en su conjunto me pareció bastante simplona, difícil de ver el tema planteado “verde-naturaleza-oxígeno-vida”, digamos que el verde si se hacía notar, ¿lo demás? No lo ví.

El resto de la muestra estaba compuesto por varias obras, que en su mayoría eran collage, allí, en dichas obras la figura del árbol no pasaba desapercibida. Al respecto, dice la webpage del CCR “Se exponen obras en muy variadas técnicas, utilizando en ellas materiales descartados o encontrados en la calle o en las plazas, teniendo en la mira generar menos desperdicios. Gran parte de la instalación se hizo reutilizando elementos en desuso, que se volvieron en este caso una obra.” Y en la pared de la sala estaba escrito “En las obras se utilizan materiales descartados o encontrados en la calle o en las plazas teniendo en la mira, también, generar, menos desperdicios”. Esto ya es demasiado, asumió el rol de los ahora llamados “recolectores urbanos” (antes eran simplemente “cartoneros”) juntando algunos desperdicios para su obra de arte expuestas en el CCR con la finalidad de dejar un mensaje de “ecología y responsabilidad verde”. En definitiva, personalmente me pareció que solo eran collage.

En la Sala 8, una muestra que comenzó el 10 de diciembre y cierra el 1 de febrero del corriente año, una muestra titulada “Espacio Intangible” del artista Marcelo Hepp.
En la webpage del CCR, dice con referencia a esta muestra “Sus esculturas corporizan la impronta creativa que ya anunciaba en sus dibujos de la década del 70, también expuestos en esta oportunidad. La muestra nos sitúa en un espacio en movimiento.” En efecto, en las paredes de la sala había cuadros que contenían dibujos todos en blanco y negro, desconozco si estaban hechos con lápiz o carbonilla u otro elemento, no me llamaron tanto la atención como las esculturas, aunque al verlos, sin nada de información, hacían ver que se trataba de dibujos que representaban una época pesada y difícil del país. Volviendo a las esculturas, efectivamente si algo transmitían era el movimiento. El movimiento y reflejo, de hecho el reflejo, es lo que le daba esa vida, ese movimiento, esa ubicación en el espacio a la figura.
Hay una nota en la web en el siguiente link http://www.arte-online.net/Notas/Marcelo_Hepp titulada “La dimensión fractal de sus esculturas” escrita por Alicia Estela Beltramini Zubiri que se refiere a la misma muestra del autor pero expuesta en otro lugar, en un museo de bellas artes.
En la primera fotografía de esta muestra, se pueden ver una escultura en primer plano, una segunda escultura por detrás, parte de la obra de la manifestación (que luego comento), y en la pared del fondo algunos de sus dibujos.

En esta segunda fotografía de esta muestra podemos ver en primer plano una escultura de una figura femenina recostada en el agua, por detrás se alcanza a ver la obra de los nadadores, si mal no recuerdo, se trata de la obra “Estilo mariposa”, y del otro lado, otra obra, que trata de una gota que cae, había dos gotas, pero la segunda no se alcanza a ver. Por supuesto que había para disfrutar, varias esculturas más.
En la webpage del CCR dice “Hepp proyecta la representación literal y perfecta de una bicicleta, un nadador o una rana en reflejos que los muestran transfigurados. Esta transformación vuelve inmensamente atractivas sus obras: la quietud del metal con que fueron confeccionadas vibra y se funde en dinámicas figuras. En Estilo mariposa, Laguna azul, y El Caminante el artista crea volúmenes articulados en identidades múltiples. Detrás de la belleza de estas figuras hechas en hierro forjado, bronce fundido o resina encontramos el trabajo consumado de un tenaz escultor.”
Y sí, coincido con esta descripción, me parece la apropiada. En general, de lo que había para ver en el CCR, esta muestra en particular estaba buena, si bien por momentos parece que es redundante, copia y repite un ojo, una cabeza, una forma, y la repite dos o tres veces, o bien los reflejos, pero uno ya veía algo con volumen y que tenía su elaboración que hace pensar no era nada simple, quizás si y no lo sepa, pero daba la impresión que requería su tiempo de trabajo. Ahora la imaginación no estaba muy despierta, caía en lugares comunes, salvo algunas obras como la de los manifestantes y las cabezas por la ventana con globitos que pareciera eran chicles, tal vez para pensar en el desinterés por los manifestantes, al menos lo que me pareció.

Pasamos a la Sala 9, una sala pequeña, donde había una muestra inaugurada el día 10 de diciembre. La muestra llamada “O Pássaro Observador” una muestra de la artista Ileana Hochmann.
Dice la presentación de la obra en la webpage del CCR “Siendo trabajos descriptos como serigrafías, las obras de Ileana Hochmann pueden provocar cierta sorpresa en el espectador. Transparencias suspendidas, papeles en relieve (simplemente arrugados y/o rasgados), ladrillos, pinzas y lupas: son algunos de los elementos que constituyen el repertorio referido a la técnica serigráfica. Una serigrafía que no parece serigrafía…”
Y realmente era así, veía eso y no sabía de que iba, no se entendía nada, la figura del pájaro, que estaba por todas  partes ¿Qué significado tenía eso? No sé, se puede elaborar muchas elucubraciones, de hecho las han formulado para explicar dicha muestra, pero nada en concreto, uno veía un pájaro que podía adivinar de que especie se trataba y que observaba, al menos sabemos que no era un pájaro ciego. ¿Qué observaba? Quien sabe, solo sabemos que “observaba”.

En la sala había una presentación a la obra, pegada en la pared, realizada por Mercedes Casanegra (misma presentadora en la webpage del CCR), donde se traza una línea que va del “nomadismo” de la autora, y culmina en la creación de un sello jeroglífico a partir de un pájaro finalizando la obra en la muestra de la Recoleta.

Esa descripción parecía un delirio total, de hecho me resultó más grato y divertido leer eso que se asemejaba a una mezcla póetica con ciencia ficción que mirar las fotos con maderas y papeles colgando del “pájaro observador”.

En la sala siguiente, la Sala 11, una muestra titulada “Forma, Unidad, Plan…” del artista Isaac Zylberberg.
Voy a copiar íntegro lo que dice la webpage del CCR dado que es breve y conciso “Forma, Unidad, Plan… 
Se trata de una muestra de la última producción del artista, realizada durante el período 2009-2013.
La técnica utilizada en todas las obras consiste en óleos pintados sobre papel vinílico (rollos de papel de empapelar). Algunos de los trabajos son paisajes de estilo cubista, siendo la mayoría de la obra de carácter abstracto.”
Como se ve en la imagen, había formas distorsionadas, y se veían la unidad en que todas estaban en el mismo sentido, ninguna generaba una ruptura, ¿y el plan? Si el plan era hacer todas formas distorsionadas, entonces se cumplió. Creo que marca una diferencia la presencia de los puntos suspensivos en el título. Casi todos abstractos que daban la sensación en muchos casos de figuras caras deformadas y la presencia de ojos o al menos eso parecían. Había colores en abundancia y no mucho más.

A continuación voy a hablar de una muestra de fotografías que se encontraba en la pared a lo largo del pasillo que comunica las diferentes salas del Centro Cultural Recoleta.
La muestra se llamaba “Transparencia 2014”. Inaugurada el 13 de noviembre de 2014 y cierra el 1 de febrero de 2015.
El cartel que presentaba la muestra decía textual “La muestra fotográfica Transparencia es una iniciativa de la Subsecretaría de Derechos Humanos y Pluralismo Cultural. Su objetivo es retratar el mosaico de identidades de la Ciudad de Buenos Aires y dar cuenta de la activa contribución de las colectividades en el entramado cultural porteño. Con esa consigna y bajo el lema “Retratar lo diverso, celebrar lo múltiple”, fueron seleccionadas las 34 fotografías que integran esta muestra”
Y la presentación de la muestra en la webpage del CCR, luego de indicar que se trata de la 7º edición de este concurso, agrega “Dirección General de Colectividades, convocó al concurso destinado a artistas visuales y aficionados de la fotografía artística. El objetivo del concurso es poder capturar imágenes que retraten el concepto de Buenos Aires como mosaico de identidades gestado por las tradiciones de los inmigrantes y reforzado a partir de la vuelta de la democracia por el respeto a las libertades individuales.”
Debo decir que estas fotografías me gustaron mucho, quizás porque se trataba de obras realistas, diversas, y que efectivamente mostraban en su mayoría personas con trajes típicos representando sus orígenes o tradiciones que aún conservan, que aún se conservan de sus antepasados. Ahora bien, muchas de esta fotografías fueron tomadas de festivales, bailes, espectáculos, ferias, es decir, ocasiones y eventos particulares, no mostraban el día a día de cada identidad, tal vez es más difícil poder representar eso. Pero el punto, es que la muestra estaba buena para observar, y además quería hacer foco en el tema que mencionan ambas presentaciones de la muestra, como “mosaico de identidades”. Por dicho, a la ligera, es un concepto relativamente nuevo, de los últimos años, y viene a suplantar el anterior concepto extendido y aún utilizado en el común de la gente de “crisol de razas”. “Crisol de razas” hacía alusión a un conjunto de razas que se funden para dar lugar a una sola unidad nacional. Es un concepto con muchos años en su haber cuando la palabra “raza” era considerada de manera diferente de como se la considera hoy día, incluso la idea de una sola unidad surgida de varias ya no se la ve así, sino que actualmente el concepto es “mosaico de identidades”, que hace alusión a un grupo social conformado por varias identidades, mosaico habla de la diversidad.

Para comprender la idea de “crisol” y contrarrestarla con la de “mosaico”, primeramente voy a copiar un fragmento que explica bien la idea de “crisol” en el libro titulado “La Nación y sus Otros: raza, etnicidad y diversidad religiosa en tiempos de Políticas de la Identidad.” de la autora Rita Laura Segato.
 “Al contrastar el caso brasileño con el argentino, surgen facetas del cuestión del blanqueamiento que permanecerían ocultas si mirásemos al Brasil o a la Argentina aisladamente. En ambos países, el proyecto de las élites fue europeizante, o dicho de otra forma, las élites, comprometidas en la producción de una retórica de la identidad, coincidieron en su interés en construir un perfil para la Nación, en la cual, independientemente de la variedad de ingredientes incorporados, el cuño final tuviese la marca de la presencia europea.
La imagen escogida por políticos, historiadores y hombres de letras, en la Argentina, para hablar del mestizaje étnico en el país, fue la imagen del “crisol”. La Argentina, era -y continúa siendo- descripta en discurso de escuelas y de tribuna como un “crisol de razas”. Esta imagen se aproxima a la civilización “antropofágica” escogida por Oswald de Andrade para describir el Brasil. En ambas hay una activa ingestión de elementos diversos para dar origen a un producto único. El crisol consume materiales y los funde en ligas cuyos componentes primarios se pierden, son sacrificados en la producción de otro diferente. En la Argentina, particularmente hubo un predominio claro del patrón blanco europeo, y de estrategias formales e informales para extinguir cualquier rasgo de heterogeneidad interna, sea bajo la forma de los acentos diferentes de españoles, italianos y judíos, o de comportamientos provincianos con alguna marca pre-hispánica. Todo tuvo que conformarse a un modelo único, trabajando en el crisol, sin dejar vestigios de los materiales que sirvieron en la fundición.” (Págs. 258, 259; Edición 2007, Editorial Prometeo).

Como indiqué antes, actualmente se habla de “mosaico de identidades”, al menos en el ámbito de la Ciudad de Buenos Aires.
Para reflejar de que se trata el concepto de “mosaico de identidades” o “mosaico de colectividades” me remito a un Programa del Gobierno de la Ciudad en el que apunta a que la verdadera identidad de la Argentina es su diversidad y el aporte que realiza cada uno de los grupos étnicos que la componen.
Por ejemplo en el texto  “Historias Curiosas de Templos de Buenos Aires” un Compilado por Marcos Gabriel dice “La Ciudad de Buenos Aires es un mosaico de identidades. Producto de las corrientes inmigratorias que arribaron a nuestro país a mediados del siglo XIX, fueron llegando a nuestro puerto inmigrantes que vinieron con su historia y también con su fe.” (Página 10. Prólogo.)

¿Qué es Argentina Mosaico de Identidades? “Creado por la Secretaría de Turismo de la Nación a partir de la convicción de que la verdadera identidad de la Argentina es la diversidad, el objetivo del programa Argentina Mosaico de Identidades es el de fortalecer, preservar y desarrollar el patrimonio cultural, étnico y religioso del país.”
Artículo del diario La Nación del año 2001, titulado “Tras las huellas de los gauchos judíos”. Disponible en http://www.lanacion.com.ar/212440-tras-las-huellas-de-los-gauchos-judios

En otro texto titulado “Algunas tendencias del turismo cultural en la Argentina. El patrimonio "olvidado" como recurso turístico”, de la autora Claudia Toselli (Licenciada en Turismo) dice “La llegada de los primeros colonos a Argentina fue rescatada a través del programa "Argentina Mosaico de Identidades", cuyo objetivo fue fortalecer, preservar y desarrollar el patrimonio cultural, étnico y religioso de Argentina. Bajo el criterio de "pensar global-actuar local", se propuso generar estrategias para desarrollar y potenciar las particularidades de cada lugar. Para ello se procedió a la creación de nuevos productos sustentables, entendiendo que estos sitios podían constituir una verdadera alternativa a través del turismo cultural.” (Pág. 5) disponible online en http://www.usal.edu.ar/archivos/imae/otros/a_ocio-08.pdf (Artículo publicado en la revista online Travelturisme, año 2004)

Actualmente en la página web del Gobierno de la Ciudad, en el siguiente link http://www.buenosaires.gob.ar/derechoshumanos/colectividades/observatoriocolectividades  tenemos el “Observatorio de Colectividades. Buenos Aires, mosaico de identidades.”
“Definimos a la Ciudad de Buenos Aires como un mosaico de identidades; una ciudad que ofrece múltiples maneras de ser vivida, una ciudad que late y vibra al compás de miles de sonidos que componen su melodía.”

Y finalmente el enlace http://www.buenosaires.gob.ar/derechoshumanos/observatorio  nos lleva al “Observatorio de colectividades”. “Se conoce como “observatorio” a un método de recolección de datos de las ciencias sociales que consiste en sistematizar, organizar y analizar diferentes tipos de información dentro de categorías. 
El Observatorio de Colectividades, es el resultado de un extenso trabajo, cuyo objetivo es revelar las historias y los aportes culturales, sociales e institucionales de las distintas oleadas migratorias que llegaron a la ciudad.”

Luego llegamos a una sala, que en lugar de estar numerada, esta sala poseía nombre, la Sala Prometeus. La misma posee un cartel que dice lo siguiente “Buenos Aires, diciembre 2001. Esta sala ha sido restaurada y acondicionada para la exhibición de obras de arte digital de acuerdo al convenio celebrado entre el Centro Cultural Recoleta y la Fundación Epson”.
Allí se exhibía la muestra Chroma. Exterior Noche/Interior Día, de Pablo Zicarello y Vivian Galbán.
Este es otro caso en los que la presentación, en este caso de Graciela Taquini, me pareció un dislate divertido. Por decir un ejemplo, donde la curadora dice “La puesta en escena desnuda un aspecto de la condición humana. Aquí, sus mujeres de espalda son manchas coloridas, evanescentes, elusivas y a la vez inalcanzables. De alguna manera subyace una épica, un relato abierto.” En esas mismas obras solamente vi una figura difuminada. Y en aquellas obras que no eran figuras difuminadas, se trataba de abstractos.

Aquí, en un rinconcito, como se ve la foto, casi como un hueco en la pared, encontramos lo que se denomina Microespacio, y allí la obra de un artista llamado Fernando Sucari.
Esta muestra inauguró el 13 de noviembre y cierra el 8 de febrero del corriente año.
Está titulada "Fresquera". “Los vasos tirados junto al árbol o en el cantero” No solo vasos, sino también bandejas de telgopor, bandejas plásticas, botellas, que fueron utilizadas como molde, sumado a algunas maderas más un poco de piedritas y el resultado es esa construcción que se ve en la fotografía. Y que significado tiene eso, no sé. Siempre pregunto por el significado, como para “poder ver algo más allá de aquellos que estamos viendo”, quizás no signifique nada y ya, pero nos significar nada me habilitaría a decir cualquier cosa de eso que veo y por el momento voy a evitar decir algo más de eso.
Sí me llamó la atención el título. Fresquera. Según Wikipedia, Fresquera “Se denominaba fresquera o cámara a la pequeña dependencia del hogar destinada a mantener frescos los alimentos. Antes de la extensión de la energía eléctrica y la popularización del frigorífico era el sistema más común para ello junto con la despensa. Incluso posteriormente se ha denominado cámara o fresquera familiarmente al frigorífico por analogía.”
Para ampliar se pueden visitar estos dos link http://blogs.20minutos.es/capeando-la-crisis/2014/07/24/las-fresqueras-que-invento/ y http://es.wikipedia.org/wiki/Fresquera
¿Qué relación hay con el apilamiento de la obra? ¿….?
Para ver más fotografías de este artista, se puede visitar  aquí http://fernandosucari.tumblr.com/

En el Espacio Historieta, una muestra inaugurada el 13 de noviembre de Julieta Arroquy, titulada “É un mondo difficcile” . En la webpage del CCR dice “Muestra individual de la dibujante Julieta Arroquy que recorre sus primeros trabajados de humor gráfico y su reciente creación, Ofelia, en la mítica sala Historieta.”
Esta muestra es la que menos me gustó, más bien me disgustó. Entré con la idea de ver algo creativo u original, propio del autor, me guste o no me guste, pero cuando vi de que iba me cayó mal. Resulta que la dibujante ubicó a su personaje “Ofelia” (que en mi caso jamás había sentido nombrar, ni sabía que existía como tal) dentro de una surtida cantidad de obras famosas de reconocidos pintores, por ejemplo el Guernica de Picasso, el Grito de Munch, el Beso de Klimt, Marylins de Warhol, el Dormitorio en Arlés de Van Gogh, Mafalda de Quino, el Hijo del hombre de Magritte, etc…. En definitiva reprodujo estas obras y en ellas introdujo a su creación, el personaje “Ofelia”, algo así como lo que algunos actualmente llaman “intervención”, lo que me pareció una burda burla y una falta, ¿falta de qué? No sé, pero algo está mal, la ausencia de creatividad, el hecho de utilizar obras con reconocimiento para introducir un garabato con nombre de “Ofelia” en ellas, da la sensación que busca notoriedad a través de los logros ajenos.

En la Sala 12, una muestra llamada "Puerto Quilombo", de la Cooperativa Sub. Definida en la webpage del CCR como
“En vísperas de cumplir diez años de trabajo colectivo, Sub, Cooperativa de fotógrafos presenta su nueva exposición: Puerto Quilombo, en colaboración con la curadora Victoria Verlichak.
Con un montaje que desborda el formato de muestra fotográfica, explora las posibilidades de la fotografía como instalación y el relato visual como experiencia. Se presentan imágenes de gran tamaño en distintos formatos y técnicas, intervenciones que remiten a códigos visuales callejeros, cajas de luz y video.”
Y de eso se trataba, había algunos collage, en los que solo se superponían imágenes, alguna veces como antagónicas (ejemplo una playa y una villa de emergencia), otras veces solo para relacionar algún elemento (ejemplo una chapa), etc… Algunas obras estaban lindas, más nada las gigantografías de algunas fotografías, los collages no, no me gustaron.
La presentación de la muestra, se podría dividir en dos partes, la primera algo divagante “Puerto Quilombo propone un ritmo que entrevera elementos del documental con la ficción poética.” Y “Un territorio autoconstruído que muta con cada respiración”.
Y la segunda parte un tanto más seria y realista donde nos dice que Sub es una cooperativa de fotógrafos que registró las experiencias de los movimientos sociales. Y finaliza con “Sub continúa explorando los límites de la fotografía documental”.
Yo creo que si llegaron hasta la muestra, la mitad de lo expuesto ya cruzó el límite de lo documental y pasó la ámbito de la ficción.

Llagamos a la última muestra, otra muestra fotográfica, inaugurada el 5 de diciembre de 2014 y cierra el 1 de febrero de 2015. Creo que lo mejor que había en la exposición, al menos para mi gusto. Se trataba de la muestra de un concurso de fotografía. El “XV Concurso Fotográfico Gente de mi Ciudad”. Como indica la presentación de la webpage del CCR acerca de la muestra “Luego de 15 años consecutivos, este concurso se ha consagrado como uno de los más importantes certámenes de fotografía en Argentina. Esta convocatoria del Banco Ciudad, abierta a todos los aficionados y profesionales residentes en el país, tuvo por objetivo estimular la creatividad, propiciar las producciones artísticas independientes, divulgar aspectos y costumbres sociales para promover la difusión y conservación del patrimonio cultural de nuestra ciudad.
JURADO 2014: Jorge González Perrin, artista plástico; Marcela Heiss, Proyectos Institucionales, Banco Ciudad; Gabriela Messina, artista visual; Guillermo Ueno, artista visual; Alejandro Lipszyc, fotógrafo.”
Realmente había fotos muy buenas, había una divertida que reflejaba en un bar el momento de festejo de una gol de la selección, otra muy tierna de un montón de chicos jugando trepados en un gran árbol, otra de dos ancianos charlando en una casa de barrio titulada “jugar en la vereda”, y así muchas otras. Todas de personas, así trataba el concurso, “Gente de mi Ciudad”. Aquí el tema que me genera algo de intriga es donde hay un límite en cuanto a fotografiar personas, y luego utilizar las fotos de dichas personas en una concurso. No creo que cada una de las personas fotografías emitan un consentimiento expreso y por escrito (o verbal) a los fotógrafos ni que estos se los requieran, y no obstante, estos últimos utilicen la imagen para un concurso, o incluso en otros casos se comercializan en la web. Estos límites no están claros, y generalmente depende del fotógrafo y nada más.

Voy a finalizar con esta la última foto titulada “Piropo”, lo particular de esta fotografía, no la foto en sí misma, que por cierto es de la fotógrafa María Alejandra Peruzzotti y la foto ganó el 4º Premio del Concurso. Sino lo que se puede ver en la muestra. La fotografía, si bien no fue arruinada por el vandalismo de algunos que concurrieron a la muestra, la fotografía sufrió una doble intervención, primeramente, alguien espantado por la foto agregó con un marcador tinta negra la leyenda “Acoso”, y luego algún otro/a, también con tinta negra tachó la palabra “Acoso” y agregó la leyenda “Cualquiera! Si sonríe”. Quedará en cada uno la interpretación, en principio prevalece la de la autora de la fotografía (que por cierto es mujer) que a su vez cuenta con la anuencia del jurado que la seleccionó como 4º Premio y coincide con el que escribió “Cualquiera! Si sonríe”.

Para agregar, busque la etimología de la palabra “piropo” y dice “La palabra piropo viene del griego pyropus, que significa “rojo fuego”. Acuérdense de que Pyro significa “Fuego”. Los romanos tomaron esta palabra de los griegos, y la usaron para clasificar piedras finas (granate) de color rojo (rubí). El rubí simbolizaba al corazón, y era la piedra que los galanes regalaban a la cortejada. Los que no tenían plata para los rubíes regalaban lindas palabras.”

“Otra versión dice que viene del griego pero de “pyr”, (de “pyros” fuego) y "ops" (de “opos”, cara), o sea “fuego en la cara” o “rojes en la cara”” (aporte de Valentín Duque)

“Otra versión dice que viene del griego “pyr”, fuego y de “ops”, vista o mirada, que puede significar “enviar fuego con la mirada” (aporte de Ximena Coronel).
http://etimologias.dechile.net/?piropo

The Ladykillers

 The Ladykillers - 1955 - Alexander MacKendrick This is a dark, crime, and even somewhat dramatic comedy. The performances are well done. Laughter is achieved through very simple and crude situations, along with elaborate dialogue. It is a journey back in time—the vehicles, the building facades, the street in general. The atmosphere created beside the railway tracks, the darkness of the night, the smoke, the train, the iron train cars, the coal car, the old walls blackened by soot, and the depiction of the thieves—one with a nightstick, dark circles around his eyes—are all very well accomplished.

The original title of this British comedy is The Ladykillers. I imagine it translates to something like "lady killers" in the sense of a Don Juan, a handsome man who seduces women, though in Spanish it was titled El quinteto de la muerte [The Quintet of Death]. The role of Mrs. Wilberforce is played by an actress named Katie Johnson, who passed away two years later. This movie was her most significant work; for her performance, she won the BAFTA Award for Best British Actress, and the film also won the award for Best Screenplay at the same ceremony, alongside receiving an Academy Award nomination.

The role of Professor Marcus was portrayed by Alec Guinness, a renowned actor with a long career. Although he is the most "intellectual" member of the gang, his almost sinister characterization gives him a frightening air of suspense, with very well-executed gestures and movements. The house is meticulously maintained, except everything is slightly tilted—from the staircase to the pictures. Marcus is surprised, and Mrs. Wilberforce replies, "I fear I find it impossible to keep them straight, Professor Marcus, because of the shocks." Marcus asks, "Shocks?" and she responds, "Yes, the bombing, they are all crooked."

There are many situations that are very funny, even the most ridiculous ones, or those where crime appears, which doesn't need to show blood to convey what it intends to. The turning point happens the moment the crime is discovered, all due to a very crude situation that ingeniously flips the story, and best of all, it doesn't lose momentum but rather gains intensity until the climax. The unusual situations reach the point where the old lady ends up using the criminals' slang: "I know I carried the loot for you," something she repeats in front of the police. For those who enjoy classic cinema, this is a great choice not to be missed.

The Ladykillers - 2004 - Ethan Coen and Joel Coen I didn't like the beginning of this remake; bad taste prevails over suspense. A close-up of two snoring police officers followed by a close-up of shoe soles has neither humor nor suspense. The woman gesticulates a lot, heavily overacting. There is a lot of vulgarity in the language. At least the first 30 minutes were extremely boring for a comedy; there is no suspense, no mystery, no humor. The performances leave much to be desired. The woman, the owner of the house, leaves a lot to be desired—very overacted, hardly believable. Tom Hanks' performance is good; he is a talented, acclaimed actor. The second half gets a bit more entertaining, but only minimally so. The dialogue and characterizations are dull, and upcoming events are highly predictable. As a remake, I didn't like it at all.

Ricardo Rojas House Museum.

 (Originally published on 2007)

Back in mid-January 2007, I went to visit and get to know the Ricardo Rojas House Museum. It was a cut-short, unfortunate visit; I did not receive a warm welcome. Here is the chronicle of that day, which turned out to be a waste of time.

I would have liked to write about the visit to the museum—what I could have seen, learned, what might have surprised me, post some photos, everything I like to do when I visit a place like that. But given what happened, it is not possible, which is a shame.

I arrived at the museum; it was open. There were two elderly women looking at a bulletin board and a third woman who walked in and stood looking at the house's courtyard. Between the entrance and the courtyard, at a small table with brochures (possibly for museum visitors), an older man sitting with a book—unfriendly, unkind, serious, almost stubborn, I would say—attended to me. I greeted him and asked, "How much is the admission fee to the museum?" He replied—I no longer remember how much, I think it was one peso—and then told me that he didn't have any guides available. I asked if I could go in on my own, and he said no. Fair enough. I prepared to leave, but before departing, I asked him, "When are guides available?" and he told me after two in the afternoon.

And I say, and I ask myself: why do they spread all over the internet that the museum is open from 10:00 a.m.? I have visited several websites, as I always do, and on all of them, it clearly states that the museum is open from 10:00 a.m. (Currently from 11:00 a.m.).

And I also wonder: why keep it open when it is actually closed? Wouldn't it be better to post the correct visiting hours on the internet? Instead of paying an individual to practice a sedentary lifestyle sitting at a small table at the museum entrance for four useless hours, wouldn't it be better to put a sign on the door? Or just keep the door closed?

Perhaps there are other activities going on, but even if that were the case, the lack of consideration for those who take the time to visit the museum when it is supposedly open—when in reality it cannot be visited—is a sign of disrespect. Comparing the service of the man sitting there with that of other museums I have visited, he was poorly dressed, had an unpleasant presence, and wasn't even polite in his answers.

In short, if I had any expectations of visiting this museum that I had passed by so many times, they all went out the window due to the poor customer service and lack of consideration—a terrible example.

I hope not to return for a long time, especially when there are so many good and excellent museums to visit.

Smoke-free home

Back in the first months of 2007, alongside the Edenor electricity bill, came a sticker advertising a campaign called "Smoke-Free Environments." Apparently, it was aimed at kids and young people. And it was sponsored by the Ministry of Health of the Nation's Presidency.
The sticker is divided into two parts: one refers to the home, to the house, and the other to the recipient's bedroom. I imagine it was intended to raise awareness and sensitize a section of the population, its target audience. The sticker recreates, or at least resembles, an Argentine cockade (escarapela).

Several possible interpretations come to mind—for example, the house in white representing a kind of purity or detoxification by not having smoke or residue typical of tobacco smoking. 

The other sticker features five small cockades and may allude to the willpower to allow oneself to overcome the power of cigarettes, identifying what is national (the cockades) with the act of not smoking or confronting tobacco. However, these are merely conjectures based on my own interpretation.

In fine print on one side of the sticker, there is an invitation that reads "Visit the youth against tobacco website." Being curious—and for no other reason, since I do not smoke—I visited the website out of pure curiosity and read through all of it.

Through those strange circumstances for which I never find an explanation, I decided to load the website at an 800x600 resolution, which made it run very slowly. That was going to form my first criticism of the site, but after reloading it at 1024x768, it ran very quickly.

The website, whose URL was, was quite good. It had a dark theme, which carries its own meaning, and was targeted at young people—a smart move, as that is where the most damage is done by creating addiction in the most vulnerable and increasingly younger individuals. It looked like a PC game design; it even had a game to download, although I didn't download it. The idea was good because it engaged young people to get informed—or at least I think that was the intention. What would be great is to distribute the game on free download websites and advertise where young people hang out, rather than just on the stickers they distributed. Unfortunately, the site was online for about a year, from early 2007 until late 2008, and then ceased to exist. Did the campaign end? Was it replaced by other campaigns? Did it fail to achieve its goal? Or did it fulfill its objective and wrap up? Did the funding run out? Back then, the .gov domain was still used, which was changed to .gob by August 2008.

At first glance, I noticed a section that said "Find out how much you know about cigarettes." I smiled and thought to myself that, as a non-smoker, I had it all figured out and knew everything. It turned out to be a big mistake—I wasn't far off, but I didn't know everything either. Ideally, one should first read the entire website and, upon finishing, take the test; then one would—or should—answer correctly. But viewed from another perspective, I don't see it as a bad thing to take the test first (which is very short and simple) and then read the site and take it again. That way, you know for sure what you actually knew and what you didn't know, which is what happened to me.

On several occasions, it reiterated that those who know smoking is harmful but justify themselves with a "it's not that bad" in order to keep doing it shouldn't be judged. Everyone decides what to do with their own body; if they harm themselves, know it, and justify it to themselves with a lie, deceiving themselves, it is a pity for them. I have also heard common phrases such as "I can quit whenever I want" or "now I smoke two or three fewer cigarettes a day" as a way to justify the powerlessness of not being able to face the addiction. When they do want to face it and cannot do it alone, the right thing to do is to seek help or accept the consequences of their actions—which, in short, would be something like: "I smoke because I want to, I know it's bad for me, and I still don't care," all without needing to deceive themselves.

The website had a clock next to a cigarette butt with a phrase that read "every 13 minutes." This stems from statistics showing that every 13 minutes in Argentina, a person dies as a result of a disease originating from smoking. So, every thirteen minutes on the clock, a couple of chimes would sound. It turned out that while I was reading the site, two individuals passed away. It sounds like dark humor, but it is good that it was done that way—not to mock those who passed, but as a way to raise awareness.

Except for a few instances, the site avoided referring to tobacco companies and how they manage to introduce cigarettes into society. After all, it is their job and their source of income, and it is not wrong for them to exist because there are people who want to smoke regardless of the harm it causes. A movie titled "Thank You for Smoking" is very interesting as it raises this issue and leaves one thinking; I recommend watching it. Consequently, the site avoids discussing the subliminal advertising of tobacco sellers and how this type of advertising enters people's subconscious to work on it (although this is also questioned and not fully proven). The site also avoids talking about how advertising and promotions are increasingly targeted at younger kids so that they buy more tobacco at an earlier age.

Despite these facts, which might sit uncomfortably with some people but are nevertheless a reality, the site indicates a significant reduction in smokers in society. Taking a radical stance, one could question the State regarding the care required by these individuals once they fall ill due to cigarettes, given that the harm is self-inflicted. However, it is well known that the State is obligated to care for them, so the site avoids this debate, as it enters rather delicate territory. They did mention some provincial laws regarding smoking bans in public spaces, though I am unaware of the specific laws mentioned. I am convinced that bans are not very effective, except in extreme cases; it is better to inform and educate the population, giving them the necessary tools to prevent or face the problem rather than banning it once it has occurred.

I have always wondered what the point is of informing smokers via the mandatory inscription on cigarette packs: "Smoking is harmful to health." Truthfully, if any positive effect comes from that, I think it's wonderful; but I have never heard, even as a myth, that anyone quit or avoided smoking simply because they read that warning. Nor have I heard of anyone who was informed of its harm, continued anyway, and had an explanation for their behavior—nothing at all. I don't know what the purpose is; the most appropriate thing would be to read that law to see what it says, but to be honest, I don't feel like doing so. It cannot be denied that the phrase "Smoking is harmful to health" informs anyone approaching a cigarette about its harmful effects; after that, it is up to one's willpower to smoke it, but one can no longer claim "I didn't know it was bad." The amount smokers spend, as indicated on the page, is quite interesting.

I remember that back in high school, I did a group project on smoking. Our topic was the harmful components of cigarettes. At that time, the internet did not exist, but most of the harmful components were already known, much like the website detailed. If one thing stayed with me from that assignment, it was a phrase I really liked back then and still do today:
The best way to avoid falling into addiction is to never smoke the first cigarette.

Yahoo Unlimited Storage!

For as long as I can remember having an email account, storage space was always an issue. Today, storage capacity is no longer a problem, but several years ago, it was. Back around May 2007, Yahoo Mail launched an ad that you could see every time you logged in to check your email, announcing unlimited storage capacity. My memory recalls three major free email services (though I acknowledge there were many others like AOL, LatinMail, HispaVista, etc.), but the three most important ones that have endured to this day are Hotmail (which changed its name to Outlook), Yahoo Mail, and Gmail. Each had its own features. What I remember was the 'battle' they fought in terms of competition and storage capacity—mostly between Gmail and Yahoo—and it seems they pushed Hotmail so it wouldn't get left behind.

The case of Hotmail was unbelievable: at first it offered 2MB, then bumped it up to 4MB, then increased it to 6MB, and shortly after reduced it back down to 2MB 'for all of Latin America.' At the time, that was a huge disappointment, especially given the growing use of the web and the clear need for more space, only to find Hotmail drastically cutting capacity. Fortunately, and almost at the exact same time—in what I view as a phenomenal strategic move—Yahoo Mail, which was offering 6MB (already quite a bit for its time), jumped to offering 100MB. Two months later, it increased it to 250MB (which was huge back then), a year later raised it to 1GB, and three years after that, in 2007, announced ilimitad capacity.

The attached image is from that moment. Yahoo Unlimited Storage!

Shane.

Raíces Profundas - 1953 - George Stevens.

El título original de esta película del año 1953, es Shane, y fue filmada por el director George Stevens. En Hispanoamérica la titularon Shane el desconocido; y en España, Raíces profundas. Esa manía de cambiar títulos, aunque cualquiera de los tres calza bien, en definitiva no están alejados del film, pero sea como fuere, el original es Shane.

Está catalogada como Western, y también como un Drama como tambien Romance, o un Romance Dramático.

Resumen del argumento “Estado de Wyoming, a finales del siglo XIX. Shane, un hastiado pistolero, llega a la granja de los Starretts, un matrimonio con un hijo que, al igual que los demás campesinos del valle, se encuentra en graves dificultades, pues el poderoso ganadero Rufus Ryker pretende apoderarse de sus tierras. Cuando Ryker se entera de que Shane es un hábil pistolero, le propone que trabaje para él. Ante su negativa, contrata a Jack Wilson, un peligroso asesino a sueldo.” (FILMAFFINITY)

Ahora bien, lo que parece un western más de los tantos que se filmaron, no es tan así, este film tiene sus particularidades.

En cuanto a premios, ganó el Premio Oscar 1953 a la Mejor Fotografía Color.
También en dichos Premios Oscar de 1953 obtuvo 6 Nominaciones, entre ellas Mejor Película y Mejor director. 
Fue Nominada a Mejor Película y Mejor Actor Extranjero (Heflin) los Premios BAFTA de 1953.
Recibió el premio NBR 1953 al Mejor Director. NBR es el National Board of Review of Motion Pictures (Consejo Nacional de Crítica de Cine)

La película está basada en una novela, que lleva el mismo título, escrita por Jack Schaefer (1907-1991).
http://en.wikipedia.org/wiki/Shane_(novel)
http://books.google.com.ar/books/about/Shane.html?id=gDB3pAQcezcC&redir_esc=y

En 1993, Shane fue incluida entre los filmes que preserva el National Film Registry (Registro Nacional de Filmes) de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser considerada «cultural, histórica o estéticamente significativa».



Ladd, Alan. (1913-1964) (...) El film por el que principalmente se lo recuerda es Shane (1953), de George Stevens, una historia del Lejano Oeste en el que se enfrenta a un bandido que le da la oportunidad a Jack Palance de interpretar uno d elos más sugerentes papeles de su carrera. (Página 197)
Palance, Jack (1920) (…) En Shane, gracias a su actuación, nos sentimos más cómplices en su bandolero que del convencional héroe que encarna Alan Ladd. (Página 270)
Stevens, George (1904-1976) (…) Shane (1953), el western que salvó del olvido a Alan Ladd. (Página 323)
Libro: Érase una vez el cine: diccionario. Escrito por Jacqueline Mouesca.



“De resonancia y estima crítica, en Raíces Profundas (Shane, 1953) se muestra el itinerario escéptico de un pistolero a quien la fama le precede y que no podrá colgar nunca sus pistolas. Al protagonista de Raíces Profundas se le presenta un amago de redención, ya que desenfunda de nueva para ayudar a unos granjeros indefensos en su lucha contra el autoritario ganadero”. (Página 84)
Libro: Películas clave del western.  Escrito por Quim Casas.


“Raíces Profundas (Shane, 1953), de George Stevens, utiliza todos los elementos típicos del género con gran habilidad y belleza, pero el héroe interpretado por Alan Ladd, parece parte de una raza en extinción, representa una versión nostálgica de los valores que van desapareciendo del arriscado pero domesticado paisaje”. (Página 97)
Libro: Diccionario técnico Akal de cine. Escrito por Ira Konigsberg.


“La consolidación de las instituciones democráticas que, engendradas por la vitalidad del individualismo expansivo de la frontera, debían irónicamente restringir este individualismo en pro de una sociedad cada vez más industrializada y que justificaba su existencia en términos del “espíritu cívico”, fue el asunto filosófico de mucho western. Estas películas incentivaron en el ciudadano norteamericano del siglo XX la nostalgia por su progenitor legendario, ese hombre libre que es el bueno y el malo, el justiciero y el vengador, el que, pistola en mano, hace justicia rompiendo la ley. A partir de los años cincuenta, en el escenario de la guerra fría, esta nostalgia se hizo más evidente en películas como Shane (1953), y llegó a politizarse de manera crítica, como en High Noon (1952). 
Shane, ex pistolero, vuelve por última vez, a desenfundar el arma en pro de la integridad de una aislada comunidad de Wyoming, para ejercer una violencia, necesaria en términos catárticos, en nombre de una justicia más allá de la ley. Shane tiene nostalgia porque sabe con certeza que su función como justiciero, ha perdido validez en una sociedad fundamentada ya en el estado de derecho pero que no ha resuelto los problemas de la comunidad. La nostalgia de Shane tiene como escenario el horizonte desesperanzado de la sociedad norteamericana de la guerra fría, y se intensifica en los ojos de un niño, Joey, quien brinda homenaje a un estilo de vida ya extinto. 
El mito a que aludía Turner en su narrativa histórica: la utopía democrática nacida del pujante individualismo de la frontera. En Shane este mito subsiste, pero únicamente como imagen nostálgica, puesto que la misión justiciera del pistolero ha perdido ya su fundamento en el estado de derecho. Si el emblemático hombre libre, Shane o Kane, ha perdido su justificación para su heroísmo porque la sociedad moderna ha institucionalizado su carácter antisocial, si el viejo Oeste es un tierra baldía porque criminal ya no es solo un individuo sino toda la sociedad, entonces había que buscar un nuevo sitio donde la acción y el ritual de la identidad volvieran a tener sentido”.
Libro: La revolución mexicana en el cine: Un acercamiento a partir de la mirada ítaloeuropea. Editado por Bernd Hausberger, Raffaele Moro.


Las citas que seleccioné de libros avocados al cine, reflejan la idea y el mensaje que posee como trasfondo el film, y que se puede completar leyendo el texto referido especialmente a la película en las páginas que van de la 309 a la 312 del libro Las grandes películas 2, Volumen 2, escrito por Roger Ebert.

Según comentarios vertidos en un blog, el personaje del pistolero fue “suavizado” en la película con respecto al libro, no leí la novela, pero es muy factible que haya sido así, por ejemplo en la película Rambo, sucede exactamente lo mismo.
El film es muy bueno en la recreación de lo que podríamos llamar “el campo”, donde se resalta el “espíritu” motivacional de los primero colonos del oeste y el romanticismo de dichos pioneros.
Inmediatamente como en toda cuestión social, aparecen los problemas, ya no las dificultades naturales a las que se enfrentaban (naturaleza, aislamiento, comunicación, etc…) sino aquellas dificultades por la tierra y el poder que ellas generan. Un espacio que se gana con las armas, con la ilegalidad (contratando al pistolero), con una ley que no llega a todos o que es insuficiente (si es que la hay).
Esta película sirvió de inspiración a otra muy buena, dirigida e interpretada por Clint Eastwood, llamada "El jinete pálido", que treinta años después revitalizó el género western.
Con un comienzo mítico, donde el jinete llega cabalgando solo y frente al él la inmensidad de la naturaleza, los árboles, el bosque, las montañas, la planicie, las nubes, el agua, el pantano, el ciervo, un buen comienzo para colocar en contexto la historia que sigue.
Cuando llega a la cabaña, lo primero que dice es una frase defensiva “supongo que no le molestará que pase por su propiedad”, está frase ya de por sí es una introducción que grafica al pistolero que encierra, ¿es una frase defensiva e invasiva? No lo sé, si se sabe que no pide permiso y que él supone lo que al “otro” le parece. Y a continuación establece el brevísimo diálogo con el niño:

- Hola muchacho. ¿Me vigilabas mientras venía por el camino? ¿mm?
- Sí, señor.
- Así me gusta. El hombre que se acostumbra a ser buen observador, llegará siempre a donde se proponga.  

Que deja esta última frase como continuación del personaje que representa.

La película está bien cuidada en cuanto a la recreación del momento, las vestimentas de los personajes y las construcciones (cabaña, establo).
Y luego muchos momentos más, hasta llegar al desenlace final, desde que Shane sale hacia la cantina, el niño lo persigue a pie con el perro, cruzan el cementerio, la música apropiada, la noche, el diálogo y la balacera final llena de acción y suspenso dentro a la cantina, logran un buen cierre.

Se trata de una película que muchos la ven una primera vez como un western clásico, que sí lo es, pero luego cuando uno lee referencias y escritos sobre la misma, encuentra una invitación a volver a verla pero ya con otra mirada, más en profundidad por su trascendencia.

Bibliografía que contiene información (ya citada) sobre el film.
- Érase una vez el cine: diccionario. Escrito por Jacqueline Mouesca.
- Películas clave del western. Escrito por Quim Casas.
- Diccionario técnico Akal de cine.  Escrito por Ira Konigsberg.
- La revolución mexicana en el cine: Un acercamiento a partir de la mirada ítaloeuropea. Editado por Bernd Hausberger, Raffaele Moro.
- Las grandes películas 2, Volumen 2. Escrito por Roger Ebert.

Links a la ficha en los sitios IMDB y FilmAffinity
http://www.imdb.com/title/tt0046303/
http://www.filmaffinity.com/es/film221448.html

Tinker Tailor Soldier Spy

 Tinker Tailor Soldier Spy - 2011 - Tomas Alfredson

The original title is Tinker Tailor Soldier Spy, but who knows why in the Spanish version it was changed to El topo (The Mole). The movie is an intrigue thriller based on a novel by John le Carré. John le Carré is the author of several espionage works, which is his literary strength, and in many of them, the main character is Agent Smiley. Several of his novels were adapted for the screen. Of this author, I have only read one work, The Secret Pilgrim, which also features Smiley. Perhaps the best of all his novels is The Spy Who Came in from the Cold, which is very renowned.

The film begins with a "- Were you followed?; - No; - Then come in. Trust no one, Jim, especially ordinary people." line, which seems promising. The film does not offer action, weapons, or adventure—it is about spies, but the story takes a different angle. Although it is true that a couple of gunshots are not missing, they make up a minimal part of the film. It generates a minimal amount of suspense and does manage to establish a sense of doubt and an eagerness for resolution as soon as he gets to work to uncover and catch the traitor.
During the Cold War, there actually was an event involving British spies who were co-opted by the USSR, in what became known as the Cambridge Five Traitors. Although several authors have written books offering opinions on the event, they have denied that their works have any direct relation to those real occurrences. However, the connection is clearly felt, and the movie seems to carry an aura of that real-life event.

The character of Smiley is well-portrayed by Gary Oldman. He is not an all-powerful hero; do not expect to see a super-spy. He is an ordinary man doing his job—patient, calm, collecting various pieces of information, connecting data, and drawing conclusions. Gary Oldman is an actor held in high regard by critics, and he has played several villainous or deeply malignant characters; I remember the unhinged police officer in the movie Léon: The Professional.
You have to pay close attention, as there are a few flashbacks throughout the film that are useful for understanding the story. In my opinion, some characters—including a few from the Circus—are somewhat overacted or taken to extremes in their characterization.

The movie received over twenty award nominations and won Best Adapted Screenplay and Best British Film at the BAFTA Awards, which is the annual ceremony for British cinema over in their country. All of this speaks to the good reception the movie enjoyed among some film critics.

Sicko

 Sicko – 2007 – Michael Moore.

I didn't want to miss saving this short excerpt because I find it to be a very interesting and spot-on reflection. Even though I don't think it belongs to the director of the film, he delivers it very well and leaves you with plenty of food for thought.

You can judge a society by how it treats its worst. But is the opposite also true? That you can judge a society by how it treats its best.

The film is a critical documentary about the US healthcare system and is built on a comparative critique, addressing the healthcare system in the US and comparing it with other countries such as Canada, the United Kingdom, France, and Cuba.

I would like to elaborate a bit more, but I prefer to save it for another time and read something that can help me reflect a little further (and perhaps better). The approach it takes is very good, especially regarding Canada, the United Kingdom, and France, which are the countries featured in the film that stand out for the healthcare systems they have and how they function in relation to society.

Something I didn't know is the origin of the film's title: "Sicko" is an English slang term used to refer to a morally unstable person. It is a play on words the director used to title the movie, and it derives from "sick."